tag:blogger.com,1999:blog-68056632497163983572024-03-13T01:37:38.590+01:00Grigori PantijelewGrigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.comBlogger60125tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-7258434118495802632016-09-04T09:02:00.000+01:002016-09-04T09:06:56.401+01:00Daniil Trifonov in Bremen 2016<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Über das Konzert des Pittsburgh Orchestra mit dem Solisten Daniil Trifonov, den ich zum ersten Mal live erleben durfte, machte ich mir Gedanken für die Zeitung "Vedomosti" im Sommer 2016:<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-qu4agnKupiY/V8vUoN1_yfI/AAAAAAAAA1Q/hcj-hVpmYFQTLNiMcuBKQI5_La9uPW3FwCLcB/s1600/vedomosti_095_16_023.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-qu4agnKupiY/V8vUoN1_yfI/AAAAAAAAA1Q/hcj-hVpmYFQTLNiMcuBKQI5_La9uPW3FwCLcB/s320/vedomosti_095_16_023.jpg" width="264" /></a></div>
<br />
Bei aller Bewunderung für die Virtuosität des jungen Pianisten stellt sich die Frage nach der Reifung und Routine.</div>
Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-53884402845995827982016-09-04T08:54:00.005+01:002016-09-04T09:04:02.661+01:00"Die Nase" in Helsinki 2015<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Eine Inszenierung von Peter Stein wurde von Zürch nach Helsinki Ende 2015 gebracht und erfolgreich umgesetzt. Lob und Kritik für die Zeitung "Vedomosti":<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-vkHZiyE5XyE/V8vScd40jWI/AAAAAAAAA1A/JHAVOJNbPCAM-oT-DEYVQJ6U5QcjYIZdQCLcB/s1600/Nase%2BHelsinki%2BVedomosti%2B2015.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="218" src="https://4.bp.blogspot.com/-vkHZiyE5XyE/V8vScd40jWI/AAAAAAAAA1A/JHAVOJNbPCAM-oT-DEYVQJ6U5QcjYIZdQCLcB/s320/Nase%2BHelsinki%2BVedomosti%2B2015.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
Das richtige Foto wurde in der online-Publikation nachgeliefert:<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-Sua9SyswFPU/V8vS0keTOtI/AAAAAAAAA1E/v5qqYHa1CKk9GWXW82txVcuNvdBJSAXJgCLcB/s1600/Nase%2BHelsinki%2BVedomosti%2B2015%2B2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="207" src="https://4.bp.blogspot.com/-Sua9SyswFPU/V8vS0keTOtI/AAAAAAAAA1E/v5qqYHa1CKk9GWXW82txVcuNvdBJSAXJgCLcB/s320/Nase%2BHelsinki%2BVedomosti%2B2015%2B2.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
Der Titel zitiert den Komponisten: "Die Nase" ist keinesfalls lustig, sondern eine fürchterliche Geschichte.</div>
Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-87309489698292463922015-01-27T09:01:00.000+01:002015-01-27T09:01:36.189+01:00"Kitesch" in Barcelona 2014<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Noch eine bemerkenswerte Inszenierung. Diesmal eine der schönsten russischen Opern - "Die Legende von der Jungfrau Fewronia und der unsichtbar gewordenen Stadt Kitesch" von Nikolai Rimsky-Korsakow. Teatro Liceu Barcelona. Publiziert in "Vedomosti" am 28.4.2014 in russischer Sprache.<br />
<br />
<div dir="ltr" style="line-height: 1.07916666666667; margin-bottom: 8pt; margin-top: 0pt; text-align: center;">
<span style="background-color: transparent; color: black; font-family: Calibri; font-size: 15px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: normal; text-decoration: none; vertical-align: baseline; white-space: pre-wrap;">Сказание о невидимой России</span></div>
<div dir="ltr" style="line-height: 1.0791666666666666; margin-bottom: 8pt; margin-top: 0pt;">
<span style="background-color: transparent; color: black; font-family: Calibri; font-size: 15px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: normal; text-decoration: none; vertical-align: baseline; white-space: pre-wrap;">Поэт апокалиптических катастроф, живописец смерти невинных, Дмитрий Черняков, вписал свою трактовку в историю «Китежа». В его версии великая опера Николая Римского-Корсакова потеряла свой первоначальный смысл и приобрела новый, более чем современный. Версия Чернякова бродит по Европе, и она не призрак. Названная лучшей постановкой 2013 года, записанная на видео, она с триумфом прошла в Амстердаме и добралась до Барселоны, в дальнейшем она ожидается в Милане и Париже.</span></div>
<div dir="ltr" style="line-height: 1.0791666666666666; margin-bottom: 8pt; margin-top: 0pt;">
<span style="background-color: transparent; color: black; font-family: Calibri; font-size: 15px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: normal; text-decoration: none; vertical-align: baseline; white-space: pre-wrap;">У композитора всепрощение Февронии вознаграждалось жизнью райской, Черняков забирает ее, град Китеж не возникает ни в каком виде, ни до уничтожения, ни после преображения. Нет милых зверюшек, да и птицы райские превратились в бесприютных пенсионерок. Тени Беслана, многократные весьма брутальные сцены насилия, даже многосекундные автоматные очереди, все это не имеет никакого отношения к музыке. В особенности страдает от этого финал, где контрапунктическое нарастание лейтмотивов, успешно конкурирующее с вагнеровскими поздними опусами, теряет опору в сцене и провисает. С другой стороны, черняковская сценография и работа по свету (Глеб Фильштинский) поражают воображение, это уровень невероятного качества.</span></div>
<div dir="ltr" style="line-height: 1.0791666666666666; margin-bottom: 8pt; margin-top: 0pt;">
<span style="background-color: transparent; color: black; font-family: Calibri; font-size: 15px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: normal; text-decoration: none; vertical-align: baseline; white-space: pre-wrap;">Хор Барселонской оперы великолепно справляется с партитурой, темпы дирижера Хосепа Понса традиционные, даже в Сече он оставляет мягкие тембры и кантабильность оркестра на переднем плане. Феврония (Светлана Игнатович) экономит силы в первом действии и раскрывает свои певческие и актерские способности в последующем по нарастающей. На редкость выровненный голос и внятное сострадание в мимике и телесности ставят ее в центр внимания, соперничать с ней может только Гришка (Дмитрий Головнин), не только бражник, но и предатель и убивец. Их совместная и в конечном счете бесплодная молитва принадлежит к наиболее захватывающим кульминациям постановки.</span></div>
<div dir="ltr" style="line-height: 1.0791666666666666; margin-bottom: 8pt; margin-top: 0pt;">
<span style="background-color: transparent; color: black; font-family: Calibri; font-size: 15px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: normal; text-decoration: none; vertical-align: baseline; white-space: pre-wrap;">Обращают на себя внимание интенсивно ведущий свою роль баритон Димитрос Тилиакос (Феодор), одаренный дьяконским басом Геннадий Беззубенков (Гусляр). Менее выразительны Княжич (Максим Аксенов) и Князь (Эрик Хальфварсон). Мало убедительно сценическое решение Отрока (Мария Горцевская), певица злоупотребляет к тому же жестикуляцией.</span></div>
<span id="docs-internal-guid-5b8c0939-2a65-64b2-b4a2-a077380074d1"></span><br />
<div dir="ltr" style="line-height: 1.0791666666666666; margin-bottom: 8pt; margin-top: 0pt;">
<span style="background-color: transparent; color: black; font-family: Calibri; font-size: 15px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: normal; text-decoration: none; vertical-align: baseline; white-space: pre-wrap;">В целом возникает «Жертвоприношение» наоборот, дачное постчеховское чаепитие в пору тьмы. Россия, куда ты унеслась? Ведущий оперный режиссер не зрит тебя среди видимых и невидимых. Красота упоительная великой музыки, трогающая многажды до слез, держит первые три действия, спасает, в финале режиссер приносит ее в жертву, бьет обухом. Жаль Февронию, жаль Китеж, плач кровавыми слезами – не лучшее завершение спектакля.</span></div>
<div dir="ltr" style="line-height: 1.0791666666666666; margin-bottom: 8pt; margin-top: 0pt;">
<span style="background-color: transparent; color: black; font-family: Calibri; font-size: 15px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: normal; text-decoration: none; vertical-align: baseline; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-jV__BeKnZY4/VMdFHzXPrnI/AAAAAAAAALo/QfYyTnT8cE0/s1600/Vedomosti%2B28042014.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-jV__BeKnZY4/VMdFHzXPrnI/AAAAAAAAALo/QfYyTnT8cE0/s1600/Vedomosti%2B28042014.png" height="320" width="157" /></a></div>
<div dir="ltr" style="line-height: 1.0791666666666666; margin-bottom: 8pt; margin-top: 0pt;">
<span style="background-color: transparent; color: black; font-family: Calibri; font-size: 15px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: normal; text-decoration: none; vertical-align: baseline; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</div>
Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-20739489481436740652015-01-26T22:57:00.000+01:002018-03-20T23:11:26.718+01:00"Der Idiot" in Oldenburg 2015<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Über die zweite (etwas gekürzte) Inszenierung der Oper "Idiot" von Mieczysław Weinberg nach Dostojewski, die am 24.1.2015 in Oldenburg ihre Premiere fand, schrieb ich wieder in russischer Sprache für die "Vedomosti". Der Artikel ist am 26.1.2015 erschienen. Der ursprüngliche Titel war für die Zeitungsseite zu lang: "Den Fürsten Myschkin fröstelt es in der Seifenoper".<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span lang="RU"><b>Князю Мышкину
зябко в мыльной опере</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="RU"></span></div>
<span lang="RU"><br /></span>
<span lang="RU">Десятилетиями его не замечали,
теперь Вайнберг должен затмить Шостаковича. Маятник посмертной славы
колеблется. Но еще не в России.</span><o:p></o:p><br />
<span lang="RU"><br /></span>
<br />
<div class="MsoNormal">
<span lang="RU">«Идиот» Мечислава
Вайнберга пришелся по нраву немецким оперным театрам и публике. Вот уже вторая
постановка, после премьеры 2013 года в Маннгейме, на сей раз в Ольденбурге. Теплый
прием. Успех предопределен жанром литературной оперы, простотой драматургии и
доступностью музыкального языка. Все
слышно, все понятно. Кто сказал, что Достоевский способен лишить душевного
покоя? Нежная смесь Верди с Пиранделло как принцип оперного переложения романа
в оперу сочетается с рациональным смешением стилей от Римского-Корсакова до
Шостаковича. Особое вайнбергское – непрерывно красивая пряная аккордика вплоть
до откровенного ре мажора в духе Пуччини, мелодизм в оркестре и в вокальных
ансамблях, узнаваемые лейтмотивы персонажей и ситуаций – все это в совокупности
льстит и ласкает. Теневая сторона этого метода также типична для литературной
оперы как жанра: музыка удваивает сцену, комментарий не противоречит, не
контрапунктирует, не спорит, не создает многослойности. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="RU">Бездонная глубина
романа адаптируется до уровня выяснения отношений между более и менее
симпатичными персонажами. От Достоевского до мыльной оперы за три часа? Вагнеру
можно, почему нельзя Вайнбергу?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="RU">Постановка
(Андреа Швальбах) выдержана в духе режиссерского театра – ни секунды без
пантомимы, сценических событий и экивоков. Ну как тут вслушиваться в краткие
емкие интерлюдии, если покой не предусмотрен? Персонажи прописаны отчетливо,
они не развиваются ни в музыке, ни на сцене, но зато отличимы и узнаваемы.
Менее внятна перегруженная сценография спектакля (Анне Нойзер), аксессуары и
костюмы решены прагматично, но не блестяще. Певцы прекрасно справились с
премьерным волнением и проявили себя более уверенно во второй половине
постановки. Наиболее успешны Зураб Зурабишвили (Мышкин), Ирина Окнина (Настасья
Филипповна). Оркестр под управлением Вито Кристофаро эффектно сопровождает драму
чувств.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="RU">Опера кончается
словами князя Мышкина «Мне зябко». Ни единого, хотя бы даже и стыдливого намека
на душевную болезнь, не говоря уже о психиатрических тюрьмах. Для 1986 года,
когда Вайнберг работал над оперой, можно ли считать это смелым переосмыслением
Достоевского? Навряд ли. Идиот, который все и всех понимает, и на этом не
сходит с ума? Шнитке («Жизнь с идиотом»), Каретников («Тиль Уленшпигель») шли
дальше, были неудобнее.<o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<span lang="RU">Ольденбургский
«Идиот» в идеальной акустике не лишит вас сна. Для любителей оперы в самый раз,
не правда ли?<o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-zRh98Z8AnMs/VMa2NWFIfAI/AAAAAAAAALY/bRp-JBxSlrM/s1600/vedomosti_011_15_027%2BWeinberg_001.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="226" src="https://1.bp.blogspot.com/-zRh98Z8AnMs/VMa2NWFIfAI/AAAAAAAAALY/bRp-JBxSlrM/s1600/vedomosti_011_15_027%2BWeinberg_001.png" width="320" /></a></div>
[EDIT 19.3.2018] Diesmal durfte ich eine vorzügliche Übersetzung von Gerd Wiesner bekommen und sogar hier aufstellen. Ein Dankeschön an Gerd Wiesner dafür und an Karola Tauke für die Vermittlung!<br />
<br />
<br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
<b>Den Fürsten Myschkin fröstelt es in der Seifenoper</b><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Jahrzehnte
lang hat man ihm keine Aufmerksamkeit geschenkt und jetzt soll Weinberg
Schostakowitsch in den Schatten stellen. Das Pendel des Nachruhms schwingt hin
und her. Aber noch nicht in Russland.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
„Der Idiot“
von Mieczyslaw Weinberg gefiel den deutschen Operntheatern und dem Publikum.
Schon gab es eine zweite Inszenierung nach der Premiere 2013 in Mannheim, aber
diesmal in Oldenburg. Ein warmer Empfang. Der Erfolg war prädestiniert durch
das Genre der literarischen Oper, durch die Einfachheit der Dramaturgie und die
Zugänglichkeit der musikalischen Sprache. Alles hörbar, alles verständlich. Wer
hat gesagt, dass Dostojewski fähig sei, einem die Seelenruhe zu nehmen?<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Die angenehme Mischung von Verdi und
Pirandello als Prinzip der Umgestaltung eines Romans zu einer Oper verbindet
sich mit einer rationalen Mischung der Stile von Rimski-Korsakow bis Schostakowitsch.
Die besondere Weinbergsche Art -<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>die
durchgehend schönen und sinnlichen Akkorde bis zu einem offenen D-Dur wie bei
Puccini, melodische Reichtümer im Orchester und in den Gesangsensembles, die
erkennbaren Leitmotive der Gestalten und Situationen – das alles insgesamt
schmeichelt und streichelt. Die Schattenseite dieser Methode ist ebenfalls
typisch für die literarische Oper als Genre: die Musik verdoppelt die Scene,
der Kommentar widerspricht nicht, konterkariert nicht, streitet nicht, schafft
keine Vielschichtigkeit.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Die
abgrundhafte Tiefe des Romans wird angepasst an das Niveau der Beziehungen
zwischen mehr oder weniger sympathischen Gestalten. Von Dostojewski zur
Seifenoper in drei Stunden? Wagner kann das, warum nicht auch Weinberg?<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Die
Inszenierung (Andrea Schwalbach) ist ausgerichtet im Sinne des Regietheaters –
nicht eine Sekunde ohne Pantomime, szenische Ereignisse und Zweideutigkeiten.
Wie aber kann man sich hier hineinhören in kurze, viel umfassende Interludien,
wenn keine Ruhepause vorgesehen ist? Die Personen sind deutlich beschrieben,
sie entwickeln sich weder in der Musik noch auf der Szene, aber dafür sind sie
unterscheidbar und erkennbar. Weniger bemerkbar ist die überlastete Bühnengestaltung
der Aufführung (Anne Noiser); die Requisiten und Kostüme sind pragmatisch
gestaltet, aber nicht glänzend. Die Sänger kamen hervorragend mit der
Premierenaufregung zurecht und präsentierten sich noch überzeugender während
der zweiten Hälfte der Aufführung. Am erfolgreichsten sind Surab Surabischwili
(Myschkin), Irina Oknina (Nastasja Filipowna). Das Orchester unter der Leitung
von Vito Christofaro begleitet das Gefühlsdrama effektvoll.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Die Oper
endet mit den Worten des Fürsten Myschkin „Mich fröstelt“. Nicht ein einziger,
wenn auch nur verschämter Hinweis auf das seelische Leiden, von psychiatrischen
Gefängnissen (Anstalten) gar nicht zu reden. Kann man das für das Jahr 1986,
als Weinberg an der Oper arbeitete, als eine kühne Umdeutung Dostojewskis
verstehen? Wohl kaum. Ein Idiot, der alle und alles versteht, und davon nicht
den Verstand verliert? Schnittke („Das Leben mit dem Idioten“) und Karetnikow
(„Til Ulenspiegel“) gingen weiter, waren unbequemer. Der Oldenburger „Idiot“ in
seiner idealen Akustik wird Sie nicht des Schlafes berauben. Für Sie als
Liebhaber der Oper genau das Richtige, nicht wahr?<o:p></o:p></div>
<br /></div>
Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-37718649639690340822015-01-26T22:38:00.000+01:002015-01-26T22:38:08.539+01:00"Luisa Miller" in Duisburg 2013<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Fast habe ich es vernachlässigt. Sorry. Den folgenden Artikel schrieb ich für die "Vedomosti" in russischer Sprache, erschienen am 16.8.2013. Es handelt sich um eine überragende Inszenierung einer eher weniger bekannten Oper von Giuseppe Verdi "Luisa Miller". Unvergesslich gut!<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span lang="RU">Устала от мужчин<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="RU">Можно ли
утверждать, что мы знаем лучшие произведения Верди, что справляем его юбилей
достойно?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="RU"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="RU">На менее и мало
известные оперы Верди принято смотреть свысока. А зря. Восторг открытия
великого произведения, к которым «Луизу Миллер» надо причислить, заставляет
передумать и переоценить развитие его творчества. Верди удачно переработал мелодраму
Шиллера, его герои стали правдоподобными, поскольку получили глубину и развитие.
Новейшая постановка Немецкой оперы на Рейне (Дуйсбург/Дюссельдорф) вступила в
диалог с композитором и расставила акценты заново. Пусть и не во всем следуя
автору, но по существу успешно. Олеся Головнева находит множество оттенков в страданиях
Луизы, пластикой голоса и тела рисует юное создание, живущее для любви и
умирающее ее жертвой. Любопытно вслушиваться – колеблясь поначалу между светлой
и темной окраской голоса, талантливая певица выбирает для финальной сцены
полную глубокую звучность (спинто) в духе Ренаты Скотто, как если бы она учила
эту часть у великой примадонны. Не просто красивая, но и драматически эффектная,
эта сцена, плавно переходящая от арии к дуэту и терцету, входит в золотой фонд.
Головнева в роли Луизы – это событие.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="RU">Режиссер Карлос Вагнер
и сценограф Каспар Цвимпфер должны быть счастливы ее участием, на ней держится
спектакль, ибо ее женственность подчеркивает враждебность всего мужского
окружения. Ее отец (мощный баритон Бориса Стаценко нуждается в несколько более
строгом контроле, чтобы избегать неуместных всхлипов и заботиться о более
чистом итальянском произношении) нуждается в дочери, но не способен ей помочь.
Ее возлюбленный Рудольфо (Джанкарло Монсальве проигрывает в ансамблях, да и в
главной арии не блещет ни звуковедением, ни произношением) показан грубым,
легко манипулируемым мужланом. Луиза Головневой одна против всех. Ее мир
поначалу уютен и полон мечтаний, ее детская комната занимает почти всю сцену.
Она прыгает босиком на большой кровати и не замечает, что Рудольфо забирается к
ней, не снимая сапог. В ходе оперы размеры комнаты уменьшаются (четыре формата,
один другого меньше) и под конец мир Луизы зримо раздавлен нашествием мужчин,
не оставляющих ей выхода, вынуждающих ее к смерти в одиночестве. Тем
удивительнее ее просветление в финале, тем опернее оно, сотканное из грез и
самозабвения, трогающее до слез.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="RU">Дирижер Джордано
Беллинкампи уверенно ведет оркестр и мягко поддерживает певцов.<o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-s93AbSXucTU/VMazZSRaFQI/AAAAAAAAALE/WHddahyJ-7Y/s1600/vedomosti%2B16082013_001.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-s93AbSXucTU/VMazZSRaFQI/AAAAAAAAALE/WHddahyJ-7Y/s1600/vedomosti%2B16082013_001.png" height="320" width="259" /></a></div>
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Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-82721496000597638692014-12-29T09:09:00.000+01:002017-08-05T13:17:17.745+01:00Perotin zu Weihnachten 2014<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Der Conductus "Beata viscera" gehört zu den ältesten überlieferten musikalischen Kompositionen der Menschheit, datiert etwa um das Ende des 12. Jahrhunderts. Die einzige Monodie Perotins bezaubert durch die frei schwebende Melodie, die der syllabischen Poesie von Philipp dem Kanzler (Notre-Dame von Paris) folgt. Erstaunlich ist die klar erkennbare motivische Struktur (AAB CDC² einer frühen Strophenform mit einem starken Kontrast zwischen dem Anfang der Strophe durch einen Quintensprung und mit Vokalisen der niederfallenden Tonleiter zu Beginn des Refrains), der ewig frische Klang des dorischen Modus, der unwahrscheinlich große Ambitus (eine Undezime), der offensichtlich den Sologesang meint. Perotin war der erste wirklich große Komponist des Abendlandes.<br />
Im Internet gibt es einige frei zugängliche Entzifferungen der frühen mensuralen Notation. Die beste Ausgabe Perotins Werke wurde von Ethel Thurston 1980 angefertigt, sie ist heute kaum zugänglich. Eines von zwei Bibliothekexemplaren in Deutschland ist in der Universitätsbibliothek Oldenburg zu bewundern.<br />
Auch im Internet kann man eine einzige schöne Soloaufnahme mit Dominique Vellard (1986) genießen, die auf verschiedenen CDs zugänglich ist.<br />
Mir war es ein Anliegen, dieses Lied in einem katholischen Gottesdienst erklingen zu lassen, im Kontext der ursprünglichen Funktion und Erschaffung. Der Chor der Bremer Gemeinde St.Josef/St. Nikolaus in Gröpelingen/Oslebshausen hat die erste Strophe (von insgesamt sieben) einstudiert und in der Heiligen Nacht 2014 während der Kommunion gesungen. Der Pastor Martin Luttmann hat es gestattet und eine interne Aufnahme zur Verfügung gestellt.<br />
Es ist der heutige Klang der katholischen Kirchenchöre, eine andere Zeit. Wir wissen nicht, wie das vor ca. 900 Jahren war. Berauschend zu wissen, dass es möglich ist, diese Musik auf sich wirken zu lassen.<br /> <br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-GdoZMTT_aRw/WYWPvfqzhxI/AAAAAAAAA3o/-CVyKm2LPakSaxBzw8ubWEQYl_uQ5Gq9QCLcBGAs/s1600/Beata_viscera.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://4.bp.blogspot.com/-GdoZMTT_aRw/WYWPvfqzhxI/AAAAAAAAA3o/-CVyKm2LPakSaxBzw8ubWEQYl_uQ5Gq9QCLcBGAs/s1600/Beata_viscera.jpg" width="320" /></a></div>
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Der Chor St.Josef/St.Nikolaus singt unter der Leitung von Grigori Pantijelew</div>
Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-37564203125435561182012-09-11T12:49:00.000+01:002012-09-11T12:51:16.366+01:00Das Lob der Eitelkeit<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Ein Essay über die Eitelkeit ging auch an den Weser Kurier Anfang 2012. Auch dafür hat Stevie Schulze mir mit seiner Bildmontage nach meiner Vorgabe sehr geholfen.<br />
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Neulich erzählte ein Kollege, wie er nach Querelen mit seiner neuen Chefin eine gute Stelle anderswo fand. Ich gratulierte ihm dazu und meinte – nett, wie ich nun mal bin, – das habe er verdient. Er erwiderte ganz uneitel, nein, o nein, das sei nur sein Glück. War das Bescheidenheit oder die Leugnung eigener Stärken? Hans-Olaf Henkel, der bekannte Wirtschaftspolitiker, hielt in einem Fernsehinterview Eitelkeit für seine größte Schwäche. Ja, ja, es gilt, sich zum Laster zu bekennen! Was ist es überhaupt – eitel zu sein? Und ist das gut oder schlecht?<br />
Das Wort „eitel“ erlebte in seiner Geschichte eine erstaunliche Metamorphose. Es bedeutete anfänglich „nichts“, „nichtig“. Das gab die Vulgata mit „vanitas“ wieder, so übersetzten auch Luther wie Buber die Sprüche des Kohelet. Das hebräische Wort „havel“ steht tatsächlich für Windhauch, Vergänglichkeit, Sinnlosigkeit, ein Dasein ohne göttliche Segnung („Havel havelim hakol havel“, auch „Vanitas vanitatum et omnia vanitas“ klingt schön!). Diese Deutung dokumentieren viele Vanitas-Allegorien in der bildenden Kunst. Später wurde in der deutschen Sprache die Eitelkeit mit Gefallsucht gleichgesetzt. Goethe meinte: „Ein Mensch, der eitel ist, kann nie ganz roh sein; denn er wünscht zu gefallen, und so akkomodiert er sich anderen“ (in einem Brief vom 1811). Wenn man noch später einen Menschen als selbstgefällig oder eingebildet bezeichnete, dann war ein Synonym dafür eitel. Nur ein wenig überspitzt verarbeitete der amerikanische Aphoristiker Ambrose Bierce diese Vorwürfe, als er in seinem „Devil’s Dictionary“ (1906) den „Egoisten“ als „Person minderen Geschmacks, mehr an sich als an mir interessiert“, beschrieb.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-aNcWV_Bsl_8/UE8dIlNwVaI/AAAAAAAAAHk/dQi9GV_vkng/s1600/eitelkeitmontage1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://1.bp.blogspot.com/-aNcWV_Bsl_8/UE8dIlNwVaI/AAAAAAAAAHk/dQi9GV_vkng/s640/eitelkeitmontage1.jpg" width="169" /></a></div>
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Die Kirche zählte Eitelkeit seit je zu den sieben Todsünden. Die Akzentverschiebung in der Wortbedeutung lässt sich leicht erklären. Thomas von Kempin bezichtigte jene der Eitelkeit, die sich nicht für Gott, sondern für die Welt interessieren: „Alles ist eitel, außer Gott lieben und ihm allein dienen.“ Das saß: Thomas‘ „Nachfolge Christi“ (ca. 1427) war für viele Generationen das meistverbreitete Buch nach der Bibel. Andererseits war er nicht der Erste. Lange vor ihm und vielleicht am ausführlichsten stufte ein Einsiedlermönch die Eitelkeit als fast unbesiegbares Laster ein. Johannes Klimakos, bedeutendster Mystiker des christlichen Orients, geißelte mit Worten: „Ein eitler Mensch ist ein Götzendiener, auch wenn er als Gläubiger gilt. Er denkt, er ehre Gott; in Wahrheit richtet er sich nicht nach Gott, sondern nach den Menschen.“ Sein Hauptwerk „Treppe zum Paradies“ diente nicht nur im 7. Jahrhundert als Quelle der Weisheit und Askese. So würdigte Benedikt der XVI. im Jahr 2009 Johannes ausführlich in einer Audienz und schloss sich ihm an: „Wir müssen die Haltung der Arroganz überwinden“.<br />
Nach Johannes Klimakos ist es dagegen kaum möglich, der Eitelkeit zu entkommen, eine fast schon psychoanalytische Deutung: „Eitelkeit freut sich über alle Tugenden. Eitelkeit herrscht über mich, wenn ich mich gut einkleide; aber wenn ich mir Plumpen anziehe, bin ich auch eitel. Rede ich, beherrscht mich Eitelkeit; komme ich zum Schweigen, so hat sie mich wieder besiegt. (…) Habe ich einigermaßen Ruhe gefunden, werde ich versucht, in die Welt zu gehen und die Seelen der Anderen zu retten.“ In unzähligen Ikonen des Mittelalters wurde dargestellt, wie die eitlen Sünder von der paradiesischen Treppe herunterfallen, von kleinen Teufeln mitgerissen. Wahrlich eine Séance der Gruppentherapie! Heutige Bilder von Politikern als Selbstdarsteller veranschaulichen das alltäglich.<br />
Immerhin musste sich das christliche Abendland der Herausforderung stellen, mit der Eitelkeit fertig zu werden, Demut zeigen und sich allzeit den Vorwurf anhören, eitel zu sein. Wer kann schon unter diesen Umständen die höchste Stufe der Treppe erreichen? Weder ein Einzelner noch die Gesamtheit. Agrippa von Nettesheim griff die Autorität der Kirche mit diesem Wort ("Von der Ungewissheit und Eitelkeit der Wissenschaften", 1527) an. Montaigne überführte sich bei der Selbstkritik in seinen Essais (1580) der Eitelkeit. Ähnlich reagierte viel später auch der sensible Selbstgeißler Franz Kafka. Als er 1917 von einem Freund gelobt wurde, antwortete er, das „Lob“ des Korrespondenten verursache ihm „eine Orgie der Eitelkeit“. Blaise Pascal sinnierte dagegen über alles kritisch und da war auch alles eitel: „Der Mensch ist also nichts als Verstellung, Lüge und Heuchelei“ (um 1657). Es hat etwas gedauert, dann kam auch eine bissige Reaktion und eine lange Nase: „Gott schuf Wesen, die ihn ohne Unterlass in alle Ewigkeit loben und preisen. Engel sind die personifizierte Eitelkeit Gottes“, witzelte Nietzsches Freund Paul Rée. Noch pointierter formulierte Friedrich Nietzsche selbst: „Die Eitelkeit andrer geht uns nur dann wider den Geschmack, wenn sie wider unsre Eitelkeit geht“ (1886).<br />
Gibt es etwas Gutes an der Eitelkeit? Carolin Wörner vermerkt in einem moraltheologischen Buch über die Eitelkeit (2005) zu Recht: „Jeder Mensch empfindet von Natur aus eine gewisse Freude über seine positiven Eigenschaften und Leistungen.“ Sie schafft es aber nicht, mehr als 7 von 120 Seiten über die positiven Seiten der Eitelkeit zu füllen. Auch für sie steht am Ende des Buchs als einziger Trost fest: „ Allein durch die Tatsache, dass wir laut Gen 1,27 als Abbild Gottes geschaffen sind, dürfen wir uns gut finden“. Nach Horst Eberhard Richter („Der Gotteskomplex“, 1979) führte die Befreiung der Menschen von Gott zu maßloser Selbstüberschätzung und schwindender Akzeptanz der naturgegebenen Grenzen: „Der lange Zeit als großartige Selbstbefreiung gepriesene Schritt des mittelalterlichen Menschen in die Neuzeit war im Grunde eine neurotische Flucht aus narzisstischer Ohnmacht in die Illusion narzisstischer Allmacht.“<br />
Als Narzissmus deklariert, bekam die Eitelkeit im Jahrhundert der Psychoanalyse in der Tat eine neue Bedeutung und durfte gar zur Erkrankung aufsteigen. Die bösen Eltern wurden dafür verantwortlich gemacht, denn auf einmal genossen Kinder offensichtlich weniger Sympathie und Empathie als früher. Die Krankheit soll therapiert werden. Nichtsdestotrotz verbreitet sie sich, eine hartnäckige Erscheinung: Jahrhunderte lang bekämpften Kirche und abendländische Gesellschaft auch nur geringste Versuche einzelner Individuen, sich weit aus dem Fenster zu lehnen, sie erklären diese auch heute für arrogant und neurotisch. Aber der Leser ahnt schon: Auch hier fanden sich solche, die gegen den Strom schwammen. Heinz Kohut, bedeutender Psychoanalytiker, sah im Christentum die Tradition, das Individuum zu beschränken, und im Rationalismus spürte er den Druck des Altruismus und das Aufbegehren gegen Autorität auf. Er machte beide dafür verantwortlich, dass die menschlichen Narzissten pathologische Züge bekommen. Kohut schloss daraus: „Wir sollten unseren Ehrgeiz nicht verleugnen noch unseren Wunsch, zu dominieren und zu brillieren“ (1975).<br />
Die amerikanische Literatur des zwanzigsten Jahrhunderts nimmt Eitelkeit unter die Lupe. Zahlreiche Romanciers haben sich ihrer angenommen, besonders herausragend unter ihnen Theodor Dreiser und Scott Fitzgerald. Ihre Helden erleben ein ähnliches Schicksal, indem sie zuerst schnell emporsteigen, zu Ruhm wie Erfolg, um dann noch schneller zu fallen. Sie wurden stets von den inzwischen gut recherchierten Prototypen abgeschrieben, man weiß, wer sozusagen Modell dafür stand. Besonders interessant ist in diesem Zusammenhang die Figur X in Dreisers Novelle „Vanity, Vanity“ (Sammlung „Twelve Men“, 1919). Der Schriftsteller lernte Joseph G. Robin 1908 kennen und war von dem imponierenden Finanzier fasziniert. Er schilderte seinen kometenhaften Aufstieg und Fall, erzählte noch viel später von diesem Mann, zum Beispiel, wie dieser bereit war, zwei Millionen Dollar dafür auszugeben, wenn er als Autor eines Stücks wie „Hamlet“ in die Geschichte eingehe. Dreiser schrieb gar ein Vorwort zu einem seiner zwei Bühnenstücke, die Anfang der Zwanziger erschienen. Robin stieg zuerst ganz groß ins Bankgeschäft ein, kaufte mehrere Banken auf und wurde im Laufe von zehn Jahren zum Millionär. Als er aber versuchte, auch im lukrativen Stadtverkehr-Geschäft Fuß zu fassen, bekam er mit Mächtigeren der Branche zu tun und scheiterte. Seine Machenschaften wurden aufgedeckt (davor störten sie keinen), zehn New Yorker Banken im Dezember 1910 geschlossen. Er musste alles verlieren und kam für ein Jahr ins Gefängnis. Dreiser beobachtete diesen Verlauf aus unmittelbarer Nähe und sah darin die Bestätigung für seine Sicht auf den Sozialdarwinismus. Ein begabter junger Mann aus einfachen Verhältnissen, der mehr oder weniger krumme Wege zum Erfolg geht, genießt das Leben in vollen Zügen, gibt sich wohltätig wie kunstfördernd, wird zum Star, scheitert an der Konkurrenz oder seinen Trieben, an seinem Aufstieg selbst und geht den Bach herunter. Auch Scott Fitzgerald beschrieb denselben Prototypen in seinem „The Great Gatsby“ (1925), nur noch stärker und literarisch kunstvoller, stattete seinen Helden mit großer Leidenschaft und einem spektakulären Tod aus (die fünfte Verfilmung kommt bald heraus, mit Leonardo di Caprio).<br />
Gleichzeitig zeigen Biografien von Dreiser und Fitzgerald klar, dass ein beträchtlicher Anteil eitler Eigenschaften autobiographisch ist und ihre Träume und Realität spiegelt. Ausfallendes Verhalten, Skandale jeglicher Art begleiteten das Leben der beiden und machten aus ihnen, zum Teil gewollt und gesucht, ein ständiges Thema für die Boulevardpresse. Allerdings sind die Ich-Person des Erzählers und der tatsächliche Autor dabei sehr unterschiedlich. Durchaus im Zeichen des Puritanismus: Scheinheilig werden Helden der Literatur dafür ausgepeitscht, was sich der Literat selbst durchaus gönnt. Scott Fitzgerald beklagte sich, “dass das Leben zu schwer und unbarmherzig für die Menschensöhne ist“.<br />
Werden Dreiser und Fitzgerald in Deutschland gelesen? Kaum. Gibt es in der deutschen Literatur die Verarbeitung ähnlicher Schicksale? Auch heute werden wir doch Zeugen vergleichbarer Karrieren – exemplarisch für mehrere stand vor kurzem die bisherige Laufbahn von Niels Stolberg im medialen Mittelpunkt, den meisten durch die „Beluga“-Affäre bekannt. Hinter den publizierten Fakten, unterschwellig kommunizierten Gerüchten hört man ein Echo, wie die Öffentlichkeit seinen Aufstieg, seinen Reichtum, seine Wohltätigkeit würdigte und wie vielmehr sein Fall als Genugtuung empfunden wurde. Die öffentliche Meinung war sofort bereit, das Negative in allem zu sehen, wofür sie ihn kurz davor bewunderte. Warum interessiert sich die amerikanische Literatur dafür und warum die deutsche nicht? Die deutsche Kulturkritik von heute ist vor allem mit der Frage beschäftigt, „warum es eigentlich angesichts dramatisch wachsender Ungleichheit in der Einkommensverteilung keinen kollektiven Aufschrei gibt“ (Winfried Fluck, 2003), und zwar in den USA. Dass es in Deutschland nicht anders ist, dass Willy Heinrich allein als deutsches literarisches Äquivalent dafür stehen muss, sieht man wenig. Hat all das mit der Standestradition der deutschen Gesellschaft zu tun, mit den kleinen, aber auf sich stolzen Bundesländern, mit den statischen Elitegrenzen, mit den sich streng und im Stillen schützenden Korporationen, mit all dem, was Friedrich Engels als den „Stempel der bürgerlichen Mittelmäßigkeit“ (1847) negativ und Max Weber als protestantische Ethik (1920) positiv beschrieben? <br />
Noch einmal zurück zu den oben zitierten Maximen. Johannes Klimakos fand nichts Gutes an einer Handlung, die zum Lob führen kann. Goethe förderte die Stärke, indem er die Schwäche entschuldigte. In seiner Ethik postulierte Aristoteles dagegen: „Ein edelgesinnter Mensch ist demnach zur Selbstliebe geradezu verpflichtet; denn von seiner sittlichen Betätigung wird er selbst den Segen genießen, und die anderen werden sich ihrer fördernden Wirkung erfreuen.“ Kevin Mulligan fand neulich (2005) heraus, dass Robert Musil und Max Scheler zwischen Eigenliebe und Selbstliebe zu differenzieren vermochten: „In dieser Hinsicht folgen sie (wie alle Erben Brentanos) Aristoteles, dem ersten österreichischen Philosophen“. Robert Musil beharrte aber darauf: „Man hat nachgewiesen, dass sich jede altruistische Neigung auf Akte der Selbstsucht zurückführen lässt“ (1913). Nikolai Hartmann blieb auch dabei – es sei unmöglich, “Egoismus und Altruismus theoretisch auseinanderzureißen” (1962). Ist das wirklich im Geiste Aristoteles‘? Sind das nur Übersetzungsschwierigkeiten?<br />
Eine glanzvolle Darstellung der Eitelkeit gelang Jerome Klapka Jerome in seiner Essaysammlung mit dem exzellenten Titel „Idle Thoughts of on Idle Fellow: a Book for an Idle Holiday“ (1886). Soweit ich das beurteilen kann, war er auch der erste, der die positiven Seiten der Eitelkeit konsequent herausarbeitete. Die etwas blumige deutsche Übersetzung von Julius Kaulen („Müßige Gedanken eines Müßigen“) kündigte stolz an: „Nach der 132. Auflage des englischen Originals“. Sie blieb Rarität – nach der vierten Auflage 1900 sind keine weiteren registriert. Warum nur? Es gibt inzwischen eine Unmenge an Literatur, die in uns die Stärke, das stolze Selbstbewusstsein, die Selbstliebe fördert, eine ursprünglich amerikanische Selfmademan-Rezeptur wird tonnenweise international vermarktet – all die Wege zum Erfolg in nur 10 Schritten durch den Glauben an sich selbst, wie zum Beispiel Robert Ringers „Werde Nr. Eins“ (1978). Ist die erschreckende Verbreitung der Ellbogenmentalität die einzige Folge davon?
So stehen durch Jahrtausende zwei gegensätzliche Ansichten weiterhin vor uns. Will man die Größe in einem jeden Menschen fördern oder will man Gleichheit und Bescheidenheit um jeden Preis?<br />
In seiner Parabel „Wieviel Erde braucht der Mensch?“ (1886) moralisierte Leo Tolstoi dazu. Der Mensch solle bescheiden sein, seine Grenzen kennen und diese Grenzen anerkennen. Am Ende bleibt dem unersättlichen Bauer Pachom, der Großgrundbesitzer werden will, nur sechs Ellen Erde: „Der Knecht nahm die Hacke, grub Pachom ein Grab, genau so lang wie das Stück Erde, das er mit seinem Körper, von den Füßen bis zum Kopf, bedeckte – sechs Ellen, und scharrte ihn ein.“ Alles, darunter auch Wittgenstein und Joyce, bewunderte diese Volkserzählung. Allein Anton Tschechow sah das anders: „Man sagt zwar, der Mensch brau-che nur sechs Ellen Erde. Aber sechs Ellen Erde braucht doch der Leichnam, nicht der Mensch. (…) Der Mensch braucht nicht sechs Ellen Erde, nicht ein Landgut, sondern den ganzen Erdball, die ganze Natur, wo er in der Weite alle Eigenschaften und Besonderheiten seines freien Geistes ungehindert entfalten könnte“ („Die Stachelbeeren“, 1898).<br />
Das Streben nach dem Besonderen, nach dem Glück, nach der Lösung der faustischen Frage durch die Erkenntnis des Augenblicks, der verweilen möge, – das sind Gründe für die Eitelkeit, wenn man sie positiv beschreiben möchte. Eitel im negativen Sinne wird der Mensch, dem es an Glück mangelt. Eitelkeit ist seine Kompensation. Odo Marquard hat dafür in der Philosophie ein wunderschönes Wort erfunden – „Inkompetenzkompensationskompetenz“. Übertragen kann das bedeuten: Dem Selbstlob verfällt derjenige, der kein Lob in seiner Umgebung findet, auf die Weise weiß er sich zu helfen. Als soziale Wesen sind wir unbedingt aufeinander angewiesen. Die Psychologie lehrt: „Das Ausbleiben des sozialen Echos leitet eine soziale Regression ein und zieht den Verlust des Selbstvertrauens und des Vertrauens in die Welt, einen Realitätsverlust bezüglich des Selbst- und Weltbildes bis hin zum Wahnsinn (…) nach sich“ (Franz Stimmer, 1987).<br />
Und so rief Jerome K. Jerome aus: „Ehrgeiz ist nur veredelte Eitelkeit. (…) Lasst uns daher die Eitelkeit nicht missbrauchen. Lasst uns sie recht anwenden. Ehre selbst ist doch nur die höchste Form der Eitelkeit. (…) Lasst uns viel zu eitel sein, um je einen Schritt zu etwas Gemeinem und Niedrigem zu tun, zu eitel für kleinlichen Eigennutz und engherziges Beneiden, zu eitel, um je ein unfreundlich Wort zu sagen oder eine ungütige Handlung zu begehen. Eitel lasst uns darauf sein, in dieser Welt von niedrigen Schurken offenherzige und aufrichtige Edelleute zu sein. Stolz lasst uns sein darauf, dass wir hohe Gedanken hegen, große Taten vollbringen und ein gutes Leben führen!“</div>
Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-11917823956560132212012-09-11T08:12:00.000+01:002012-09-11T08:15:17.885+01:00Auf der Flucht vor dem Jenseits<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Ein Text über den Film "Avatar", Weser Kurier 2011. Die Fotomontage hat Stevie Schulze nach meiner Skizze dankenswerterweise sehr schön gemacht.<br />
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Wie halten Sie es mit der Wiederauferstehung? Der heutige Mensch merkt kaum, wie die Wirklichkeit seinem sehnlichsten Wunsch zuwiderläuft. Neueste Forschungen geben zu hoffen, dass Implantate bald die Computerisierung unserer Augen und Ohren bringen, von längst existenten Prothesen aller Art gar zu schweigen. Schon 1998 schlug Katherine Hayles („How we became posthuman“) deswegen vor, vom posthumanen Zeitalter zu sprechen. Wie kann aber jemand wiedergeboren werden, wenn er fast nur aus Ersatzteilen besteht? Wo ist sein Körper?</div>
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Die Kunst spiegelt diese Verunsicherung wider, und zwar mit der Erneuerung uralter Mythen. Dank Richard Wagner hörte die Wiederauferstehung auf, ein kirchliches Privileg zu sein. Kann eine Weihehandlung schöner und mitreißender sein als im „Parsifal“? Wer dabei sein wollte, der musste bis 1913 pilgern: Wagners Testament erlaubte das nicht anders – das gnadenreichste Weihefest Europas fand 30 Jahre lang exklusiv in Bayreuth statt. „Avatar“ von James Cameron wurde dagegen der erfolgreichste Kassenschlager aller Zeiten und ging sofort nach der Premiere 2009 um die Welt. Innerhalb kurzer Zeit haben ihn mehr Menschen kennengelernt als „Parsifal“ nach 130 Jahren.</div>
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Für Wagner spielte die hinduistische Färbung der Erlösung mit Reinkarnation nur eine Nebenrolle. Cameron dagegen verlegt das Zentrum der Wiederauferstehung auf den astralen Körper – Jack Sully geht in seinem Avatar auf. Sein menschlicher Körper ist verbraucht. Leider wird das in der bisherigen Rezeption kaum erkannt und verstanden.</div>
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Die meisten deutschen Autoren prophezeiten dem Film Misserfolg und gaben sich missgünstig. „Recht dünn, oberflächlich und ziemlich naiv“ (S. Rettig). „Seltsam artifiziell, unorganisch. Cameron ist einfach außerstande, wirklich berührende Geschichten zu erzählen“ (C. Egger). „Ist der Inhalt besonders mickrig, kommt die Verpackung oft umso schriller daher.“ (K. Jacquemain). „Ein DEFA-Indianerfilm“, der „inhaltlich nicht aufgeht“ (F. Frieler). „Jesus hat unter dem Baum der Erkenntnis Sex mit Pocahontas und konvertiert zum Buddhismus, bevor er das Jenseits zum Diesseits erklärt und als Drachenreiter für das totale Gleichgewicht auf einem Mond sorgt, der eigentlich ein großer Datenspeicher ist. Sie finden das gaga?“ (J. Diestelmeyer). „Die Story vom Bösen, der zum Guten wird, der all seine Werte für eine gute Sache aufgibt, ist dünner als manches Supermodel.“ (M. Zekri). „Ein aufgeblasener B-Movie“, „der ultimative Jungstraum, eine pubertäre Fantasy: Robinson meets Freitag, eine geile Braut, die meistens nackt herumläuft, Sommer, Sonne, Schlümpfe und keine Arbeit. Zugleich ist Avatar ein Ökothriller, recht esoterisch in seiner Botschaft, dass man den Baum umarmen muss, dann umarmt er auch zurück“. (R. Suchsland). „Man hat das Gefühl, dass James Cameron während der langen Vorbereitungszeit zu „Avatar“ am Feierabend Yoga und Selbstfindungs-Kurse besucht hat.“ (A. Leweke). „Bei allem Ethnokitsch um die außerirdische Gesellschaft mit ihren Indianer-Weisheiten und afrikanischen Stammesriten kann der Film seine Herkunft dann doch nicht leugnen – so bleibt es der weiße Mann, dem die Eingeborenen sich unterwerfen und der sie zum Sieg führt“ (A. Hutter). „Ein perverser Film“ (K. Theweleit). „Das alles kennt man. Das ist der große Nachteil des neuen Films von James Cameron, der seine Chance, Filmgeschichte zu schreiben, gegen Null tendieren lässt“ (N. Rodriguez). „Mehr als eine wahrscheinlich sehr erfolgreiche technische Fußnote der Filmgeschichte ist „Avatar“ damit wohl leider nicht“ (J. Kiontke).</div>
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Nicht viel besser verhielt es sich mit den vermeintlich positiven Stimmen. „Wie Sully – und mit ihm der Zuschauer – lernt die fremde Welt mit neuen Augen zu sehen und auch zu schätzen, so soll auch der Zuschauer lernen die Naturschönheiten seiner Welt bewusster zu sehen und vom kalten Profit- und Wissenschaftsdenken abkommen“ (W. Gasperi). „Es ist, im Kern, die eigentliche Ideologie der universalen Anschlussfähigkeit, die den aktuellen Blockbuster bestimmt“ (T. Kniebe). In der amerikanischen Kritik gab es sogar plumpe Politisierung: „Der Film verkennt den Militarismus, Kapitalismus, Imperialismus“ (A. White).</div>
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Nur wenige Kenner meldeten sich zu Wort, meist in Internetforen und Blogs: Dort wurden zwei der wichtigsten Hintergründe – SF-Literatur sowie Joseph Campbell – sofort erwähnt. Zum Teil hat das vielleicht damit zu tun, dass Filmkritiker nur Filme schauen und Literaturkritiker nur Bücher lesen. Die ersten sehen sich bestenfalls an das Drehbuch Camerons zu „Strange Days“ (1995) und an den Kostner-Film „Der mit dem Wolf tanzt“ (1990) erinnert. Die anderen holen Kurzgeschichten, Romane und Comics ihrer Pubertät heraus. Die Poesie des Waldes als eines symbiotischen Wesens muss man nicht gleich als grüne Ökogottheit verhöhnen. So wie Ray Bradbury („Here There Be Tigers“, 1951), Robert F. Young („To Fell a Tree“, 1959), James Schultz („Ausgeglichene Ökologie“, 1965) das gesehen haben, spricht diese Literatur den Traum an, ein besserer Mensch durch die Einigung mit der Natur zu werden. Eine literarisch brillante Untersuchung des Guten und des Bösen auf dem utopischen Waldplaneten unternahm Ursula Le Guin („Das Wort für Welt ist Wald“, 1972). Die intellektuell höchste Leistung auf dem Gebiet stammt wohl von Gebrüdern Strugatzki („Die Schnecke am Hang“, die erste, noch nicht übersetzte Fassung von 1965, die berauschende Handlung spielt auf einem wirklich fantastischen Planeten „Pandora“). Murrey Leinster („Exploration Team“, 1956), Harry Harrison („Die Todeswelt“, 1960), Alan Dean Foster („Die denkenden Wälder“, 1975) sprechen den Abenteurergeist im geneigten Leser an. In mehreren Werken erscheint die Verwandlung einen paralysierten Kriegsveteranen in einen Weltretter als Motiv – beginnend beim Tarzan-Erfinder Edgar Rice Burroughs („Die Prinzessin vom Mars“, 1917). Am nächsten stehen „Avatar“ drei meisterhafte Kurzgeschichten: „Flucht“ (1944, Clifford Simak), „Nennt mich Joe“ (1957, Paul Anderson) und „Der Planet der Katzenwölfe“ (1973, Ben Bova). Menschen übertragen ihre Psyche in außerirdische Wesen und fühlen sich dabei besser als je zuvor. Es sieht so aus, als hätte James Cameron die gesamte SF-Literatur im Schmelztiegel zu einer bilderreichen Suspension verarbeitet.</div>
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Die andere Quelle ist eine insbesondere in Filmkreisen bekannte Theorie des amerikanischen Mythenforschers Joseph Campbell. Danach kann man eine gemeinsame Struktur des menschlichen Denkens in Mythen so weit verallgemeinern, dass sich daraus ein Ur-Mythos ableiten lässt. Einerseits führt dieser Gedanke alle unterschiedlichen Kulturen auf eine gemeinsame Wurzel zurück. Andererseits verwischt er Unterschiede und verleitet zur strukturalistischen Auffassung der Multikulturalität. Muss diese immer in einen Machtkampf zwischen zwei Welten ausarten, beiderseitig imperialistisch? Inzwischen sind zahlreiche Filme nach Campbell erschaffen worden. Insider kennen auch die verkürzte, fast schon witzige Anweisung von Christopher Vogler für Drehbuchautoren. Die Idee hinter den „Star Wars“ ist simple moralische Überlegenheit des Guten über dem Bösen, der Film wirkt aber plakativ wie ein Comic. Schattierungen fehlen. „Avatar“ ist ein ausgereiftes Exemplar und macht beide Seiten des Konfliktes etwas lebendiger (wenn nur nicht die kitschige Musik wäre, na ja). Warum spricht er Menschen aller Kulturen an? Sitzt denn der Ur-Mythos in unseren Genen, Instinkten, im kollektiven Unbewussten? Kann das überhaupt stimmen? Ist das Gemeinsame hier der Hang zum Glauben? An das Leben nach dem Tod?</div>
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„Avatar“ ist nicht nur eine Initiationsstory, eine rührende Liebesgeschichte, eine Rettungsoper. Kurz vor dem Filmende rettet Neytiri ihren Liebsten, Jack wird von ihr wie in einer Pietà gehalten. Auf einmal entzücken einmalige Proportionen Michelangelos unseren Blick: Er menschlich, sie übermenschlich groß, dort wie hier.</div>
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Erste Schauspieler – die Schamanen – waren die sakralen Mimen. Sie repräsentierten das Göttliche. Ein anderer zu sein, war ein ritueller Akt der Einigung mit den Ahnen, dem kleinen und großen Kosmos. Um woanders zu sein, muss nicht immer eine Zeitmaschine zur Verfügung stehen, es genügt, sich eine parallele Welt auszudenken. Herbert Wells hat das – schon wieder als Erster – einmal so, mit einem Zeitsprung, gemacht („Wenn der Schläfer erwacht“, 1899), einmal anders, mit einem Sprung in eine parallele Welt („Menschen, Götter gleich“, 1923). Seit Jahrzehnten sind uns die Antiutopien vertraut, nicht nur durch Orwell, sondern eher durch die Realität der totalitären Systeme. Die wahren eskapistischen Utopien verdanken wir auch dieser Erfahrung. Sie wurden zum fruchtbaren Ackerfeld der SF-Literatur. (Warum eigentlich eher außerhalb Deutschlands?)</div>
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Ihrer Verarbeitung und Visualisierung verdankt „Avatar“ seinen Erfolg. Die übernatürliche Seelenwanderung ist im Film ein als Gegebenheit dargestelltes Wunder. Nicht mehr science fiction, sondern vielmehr der Glaube an Wunder strahlt daraus. Im Film „Source Code“ (2011) wird ebenfalls ein Wunder eingesetzt: Der Held rettet die Welt, gleichzeitig erschafft er ein paralleles Universum, in dem er glücklich werden kann. Auch das ist nicht neu – Robert A. Heinlein („Die Tür in den Sommer“, 1956), Philipp K. Dick („Und die Erde steht still“, 1957), Robert Sheckley („Lebensgeister GmbH“, 1958) haben den literarischen Weg vorgegeben. Ein bisheriger Höhepunkt der Magie paralleler Welten wurde von Philip Pullman in „His Dark Materials“ (2000) geschrieben. Jetzt folgen Filme: „Avatar“ und „Source Code“ gehen auf Seelenwanderung. Bei der Verwandlung in „Source Code“ besetzt der Sterbende allerdings den Körper eines Menschen, der leider auf diese Weise verschwindet, ohne dass es im Film thematisiert wird. Dazwischen liegen auch noch Fantasy-Welten der Videospiele, so z.B. „Wizardry VII“ (1992), „Oblivion“ (2006). Deren unterschiedliche Avatare wurden für Generationen ab den 90-er Jahre zu den maßgeblichen, prägenden virtuellen Erfahrungen.</div>
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Jay Michaelson, amerikanischer Religionsforscher, hält zwar „Avatar“ für einen „Hollywood Cartoon“, weist aber darauf hin, dass dessen Philosophie einem Panentheismus nahesteht: Die Begrüßung der Na’vi „Ich sehe dich“ sei dasselbe wie „Namaste“ im Sanskrit und bedeute „Der Gott in mir sieht den Gott in dir“. Der Gedanke ziehe sich durch die Upanischaden, das Buch Sohar, sei bei Laotse, Rumi und Johannes vom Kreuz vertreten.</div>
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Im „Zauberer von Oz“ (1900) wird der lokale Gott als Scharlatan entlarvt, bei Pullman muss der Allmächtige gar entthront und aus Altersgründen verabschiedet werden. Die „Apfel“-Geschichte von Adam und Eva hat Pullman auch auf die Füße gestellt – vom Baum der Erkenntnis kommt das Gute und keine Sünde: „Wir sollten nicht so leben, als ob dieses Jenseits wichtiger wäre als das Leben in dieser Welt, denn da, wo wir leben, das ist der wichtigste Ort für uns“.</div>
</blockquote>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-nRMYX4vk5hc/UE7iJK9Z7wI/AAAAAAAAAHU/e73q12iMb2k/s1600/pietavergleich1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="124" src="http://1.bp.blogspot.com/-nRMYX4vk5hc/UE7iJK9Z7wI/AAAAAAAAAHU/e73q12iMb2k/s320/pietavergleich1.jpg" width="320" /></a></div>
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<blockquote class="tr_bq">
Er menschlich, sie übermenschlich groß, dort wie hier:
links Pietà von Michelangelo, rechts Neytiri und Jack im „Avatar“ von James Cameron
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Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-45271028847869359672012-09-06T17:58:00.000+01:002012-09-06T17:58:29.815+01:00"Tristan" in Bochum 2011<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Ein Text für die russischsprachigen Leser, ein Artikel für die Zeitung "Vedomosti", der am 16.8.2011 erschien.<br />
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<strong>Изольда – женщина сильная</strong></div>
Главная премьера Рурского Триеннале в Бохуме (Германия) - «Тристан и Изольда» Рихарда Вагнера прошла с впечатляющим успехом. Аншлаг. Публика в восторге. Восторгаемся.
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Не знаю, как Вы, а я вот всегда мерял себя с Изольдой, восхищался ею особенно. Точнее сказать, удивляюсь и сегодня, почему ни один Тристан на подмостках не может сравниться с ней. Хотя, по правде сказать, и начиналось-то плохо: первый Тристан, еще вагнеровский, умер, перетрудившись, за шесть дней до премьеры. Сегодняшние осторожничают, себе дороже. В результате Изольда обречена доминировать в любом ансамбле и в любой постановке. Аня Кампе великолепно справляется с партией, вокально и актерски. Жить на сцене ей мешают только режиссер и Тристан. Со вторым все просто – Кристиан Франц не блещет ни голосом, ни актерским мастерством. В дуэтах он перекрикивает партнершу, на чем ансамбль перестает быть таковым. Вилли Декер же ставит под буддистскую идею и рассказывает о ней в программке и в рекламке. Этим он, одновременно интендант фестиваля, правда, ограничивается, так как в постановке ничего буддистского не заметно. Помимо нелепостей и недодуманностей вроде слуг, сидящих в присутствии господ, или Тристана, закалывающего себя кинжалом Мелота, обращает на себя внимание прежде всего недостаточная верность духу Вагнера. Вступление ко второму действию начиняется стоп-кадром многочисленного персонала при дворе короля Марка и вынужденным топотом оного во время покидания сцены. Глаз почти непрерывно занят, отвлечен от музыки. Уникальное просветление Изольды, заставляющее мечтать и возноситься, терять рассудок от томления, заменяется ее оперным выпячиванием. Упомяну скромные работы Штефена Миллинга (Король Марк), Клаудии Манке (Брангена), солидное участие Рурского Хорверка (в качестве мужского хора).<br />
Акустика помещения непроста, и, в основном, мало заметное присутствие усилителей неизбежно, Было бы лучше, если бы оно было вовсе незаметно. Но когда хор за сценой вдруг перекрывает оркестр, так что три трубы финального аккорда в конце первого акта бледнеют в сравнии с ним, обидно за Вагнера в очередной раз. Трудности усугубляются стремлением дирижера Кирилла Петренко повысить эмоциональный тонус партитуры. В общем-то Вагнер об этом уже позаботился, но Петренко знает лучше. В результате рубато превращается в вольное обращение с темпом, структуры рассыпаются, Дуйсбургский филармонический оркестр, и так-то не имеющий большого опыта с великой партитурой, нередко расходится, критики падают ниц перед неизбывной и неизъяснимой славянской душой. И это хотя Петренко позволяет себе и откровенное вмешательство в партитуру, заменяя, например, акценты струнных на легато в начале пятой сцены первого акта. В 2013 году Петренко начинает руководить Баварской государственной оперой и дирижирует «Кольцом нибелунга» в Байройте, с чем хочется всех особенно поздравить.<br />
Самое лучшее, из-за чего постановка смотрится, это световая композиция (Андреас Грютер). К сожалению, только черно-белая (лично я предпочел бы фиолетовую гамму в контраст к солнечному свету), но зато невероятно эффектная по замыслу и воплощению. Более всего раздражают видеоинсталляции (Момме Хинрихс, Торге Мёллер), отвлекающие от музыки и состоящие из скромной эротики плавающих под водой нагих тел (ах-ах, как сексуально!). Несколько менее, но все же захватывает дух, когда видишь игру двух гигантских конструкций, парящих над пространством и образующих сцену (Вольфганг Гусманн). Они почти непрерывно изменяют угол и высоту своего положения, складываются в еще одну параллельную инсталляцию.<br />
Публику, не знающую «Тристана» в постановках Всеволода Мейерхольда, Виланда Вагнера и Отто Шенка, легко подкупить. Останемся верными Вагнеру, ребята! От этой музыки плакать хочется, сколько бы ее не слушать, в каком бы то ни было исполнении. «Тристан» живьем не сравнится ни с чем, даже и фестивальный. Драма превыше всего!
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-KOgubVfMs2g/UEjUzrKrmhI/AAAAAAAAAHE/WZxWbKzxN3o/s1600/Trsitan%2BVedomosti%2B16082011.jpg" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="400" width="316" src="http://4.bp.blogspot.com/-KOgubVfMs2g/UEjUzrKrmhI/AAAAAAAAAHE/WZxWbKzxN3o/s400/Trsitan%2BVedomosti%2B16082011.jpg" /></a></div>
Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-30861603163961437252012-09-05T22:24:00.000+01:002012-09-06T07:56:50.623+01:00Das politische Wir<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Noch ein Text für den Weser Kurier 2011, unter anderem nach der Beteiligung am Evangelischen Kirchentag in Dresden.
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<blockquote>
Dresden 1990. Vom Platz am damaligen „Dresdner Hof“ her erschallt eine tiefe männliche Stimme, verstärkt durch Lautsprecher:<br />
<i>Wir wollen und wir können!</i><br />
<i>Weil wir können, wollen wir!</i><br />
<i>Weil wir können, können wir!</i><br />
<i>Die Politik wird ganz oben gemacht, weil sie ganz unten gebraucht wird.</i><br />
<i>Wir haben hier den Himmel auf Erden! Wir wollen noch höher, wir wollen Himmel und Hölle in Bewegung setzen!</i></blockquote>
<blockquote>
Es sammeln sich Unmengen von Menschen, die glauben, Bundeskanzler Kohl sei zu Besuch gekommen. Die Schaulustigen täuschen sich, sie hören der ostdeutschen Erstaufführung einer herrlichen Satire von Mauricio Kagel zu.<br />
Das Hörstück „Der Tribun“ (1979) ist eine Enzyklopädie rhetorischer Formeln, es wendet sich der manipulativen Sprache von Politiker zu. Die Kunst der Propaganda beginnt nicht mit Macchiavelli und endet nicht mit Goebbels. Die aristotelische Logik hat formale Fehlschüsse analysiert, heute weiß man auch um die emotionale Wirkung von Appellen. Englischsprachige Forscher reden von „Red herring“ und vom „appeal to emotion“, in der deutschen Sprache gibt es dafür bis heute kein Äquivalent. Im weiteren sollen zwei Arten der manipulativen Sprache erörtert werden, zwischen „ignoratio elenchi“ und „argumentum ad populum“ angesiedelt und mit dem populistischen Gebrauch vom extensiven „wir“ gewürzt.<br />
Zuerst ein „wir“-Appell. Am Rande des evangelischen Kirchentages in Dresden 2011 beschäftigte sich eine kleine Gruppe mit einem exemplarischen Text dieser Art, dem Aufruf des internationalen Rats der Christen und Juden von 2009, bekannt oder, besser gesagt, kaum bekannt unter dem Namen „Berliner Thesen“. In dem breit angelegten Dokument schwenkten selbsternannte Vertreter von Christen und Juden vollmundig große Worte. Zum Beispiel, so heißt es im „Aufruf an christliche wie jüdische Gemeinden und an Andere“: „Wir laden Juden, Christen und Muslime gemeinsam mit allen Menschen des Glaubens und guten Willens ein, einander stets zu respektieren und die Unterschiede und die Würde des jeweils Anderen zu achten.“ Eine kleine Gruppe findet zu einem „wir“ und wendet sich an Gleichgesinnte. Was kann dabei schon verwerflich sein? Und doch ändert sich die Perspektive innerhalb eines Satzes viel zu schnell. Im Aufruf-Titel werden die Anderen noch pauschal draußen gesehen. In der Aufzählung tauchen Muslime auf, die vorhin nicht einmal erwähnt wurden und schon gar nicht dazu eingeladen worden waren, an dem Dokument mitzuarbeiten. Sind Muslime hier ein Teil vom „wir“ oder gesuchte Dialogpartner? Werden diese von oben herab oder als gleichberechtigt angesehen? Sieht gut gemeinter Dialog der Religionen so aus? Weiterhin erscheinen im zitierten Satz „die Menschen des Glaubens“ und gleich darauf gar „die Menschen des guten Willens“. Warum werden hier diese namentlich genannten Gruppen ausdrücklich angesprochen? Muss man sie dazu aufrufen? Halten sie sich nicht an die Vorgaben des Respekts und der Achtung? Sind sie vom appellierenden „wir“ ausgeschlossen? Und warum wendet man sich nicht an die, die wahrlich draußen sind und nicht zum Pool der „Guten“ par excellence gehören? Antonio von Padua machte es anders, er ging zu den Fischen und predigte ihnen die Moral, mit dem bekannten Resultat, dass sie einander weiterhin fraßen. Machen wir ein Experiment und schreiben denselben Appell um. Zum Beispiel so: „Liebe Menschen des bösen Willens! Wir, die wir die Menschen des guten Willens sind (und davon überzeugt sind, dass wir die Kraft sind, die stets das Gute will), rufen euch dazu auf, einander und uns zu respektieren.“ Oder sollte es besser so klingen: „Wir, die guten Menschen, respektieren nur die guten Menschen, und achten die Würde der anderen guten Menschen. Die anderen, die bösen, werden von uns mit keinem Wort erwähnt, nicht einmal beachtet.“<br />
Eine typische Rhetorik der Gutmenschen – dazu gehören auch Belehrungen, die auf Affekterzeugung hinwirken. In den „Berliner Thesen“ nimmt in diesem Sinne eine politische Dimension den größten Platz ein, und zwar, wie so oft heutzutage, der Nahostkonflikt. Die christlichen wie jüdischen Teilnehmer machen Juden allein für die Abwicklung des Friedensprozesses verantwortlich, rümpfen die Nase über den Zionismus, verherrlichen die Friedensarbeiter, die ihrerseits bekanntlich alle nationalen Bewegungen lobpreisen, nur nicht die jüdische, erfinden die Unterdrückung christlicher Gemeinden in Israel. Den Gipfel des eindeutig „israelkritischen“ Untertons erreicht der Text, wenn es um die Beschwörung einer „gerechten und friedvollen Lösung des israelisch-palästinensischen Konfliktes“ geht. Diese Lösung werde „erreicht“, wenn „der Staat Israel“ die „in seinen Gründungsdokumenten formulierten Ideale“ „verwirklichen“ würde. Die andere Seite des Konfliktes wird weder genannt noch angesprochen, die Realität der eigentlichen politischen Kommunikation sowie der Politik selbst wird außer Acht gelassen.<br />
In ähnlicher Manier rief auch Margot Käßmann in Dresden 2011 beim Evangelischen Kirchentag auf: Es sei "besser mit den Taliban zu beten, als sie zu bombardieren", ohne dabei das Pronomen „wir“ zu bemühen. Sie meinte dabei keinesfalls sich selbst, sondern erteilte eine Empfehlung an andere, ohne eine Verantwortung für die Folgen tragen zu müssen. Sie wird wohl nie selbst mit den Taliban beten, dass müssen eben die anderen auf sich nehmen. Umformuliert würde es klingen: „Ihr bombardiert, Ihr müsst lieber beten“. Diese Art von Belehrung macht das Wesen des sogenannten Gutmenschen aus – eine im Kern hochmoralische Position, die sich aber so hochschaukelt, dass sie den Boden der Realität verlässt. Zeitgleich bringt man sich in Rage, weil Mitmenschen nicht das tun, was ihnen gesagt wird.<br />
Jetzt wenden wir uns dem emotionalen Appell („appeal to emotion“) zu. Käßmann, die ihren Fans „als Idealtyp des Gutmenschen“ gilt, vergaloppierte sich insbesondere zu Weihnachten 2009 mit dem Interview an die „Berliner Zeitung“. Darin stellte sie den notwendigen Krieg gegen Nazideutschland in Frage, in dem sie geschichtliche Zusammenhänge ausblendete und Opfer nur einer und zwar der deutschen Seite bedauerte. Sie sagte: „Das Argument lautet immer: Hätten die Alliierten nicht eingegriffen, hätte es keinen Frieden gegeben.“ Suggeriert wird hier, es sei möglich gewesen, den Frieden mit Hitler zu bewahren oder zu schließen. Man hätte lieber Nazi-Deutschland zu akzeptieren als anzugreifen. Sie fragte: „Warum gab es vorher keine Strategien?“ Diese Frage lässt annehmen, dass Gespräche, Verhandlungen, Konzessionen im Vorfeld des Zweiten Weltkrieges überhaupt nicht stattgefunden haben und dass mit Kriegserklärung und Invasion hantiert wurde anstatt zu verhandeln. Das stimmt nicht. Jahrelang haben britische, französische, amerikanische und russische Politiker (jeder im eigenen Interesse und oft fatal falsch) eben nur verhandelt, was als Politik des „Appeasement“ bezeichnet wurde, und sie haben erst so die Militarisierung Nazi-Deutschlands sowie die Vorbereitung der Eroberungs- und Vernichtungskriege seitens des sogenannten "Dritten Reichs" ermöglicht. Es waren also auch andere Strategien im Spiel, und diese haben versagt. Die Geschichte dieser Jahre hat die Menschheit gelehrt, dass eine Kriegsvorbereitung mit bloßen Worten nicht zu verhindern ist.<br />
Sie monierte: „Warum wurde die Opposition in Deutschland nicht gestärkt?“ Käßmann meint also, die interne Opposition innerhalb des Hitler-Regimes sei so stark gewesen, dass ein effektives Einlenken möglich gewesen wäre. Das stimmt auch nicht. Es gab kaum organisierte Opposition. Eine überwiegende Mehrheit der Bevölkerung stand hinter dem Krieg. Einzelne Widerständler hatten keine Chance, sich gegen die Volksgemeinschaft eine Stimme zu verschaffen. Und später im Krieg ging es den Alliierten nicht darum, Hitler zu stürzen, sondern das gesamte Regime zu Fall zu bringen.<br />
Sie empörte sich: „Warum wurden die Gleise, die nach Auschwitz führten, nicht bombardiert?“ Aber auch in weiteren Äußerungen desselben Interviews sieht Käßmann Opfer und Zerstörung in Deutschland als Resultat des Krieges seitens der Alliierten. Indem sie sich selbst widerspricht und eine ausgebliebene Bombardierung bedauert, verunsichert sie den Leser: Ist denn die Option Krieg für sie doch zulässig? Sie sagte trotzdem: „Für mich kann es keinen gerechten Krieg geben.“ Einen „gerechten“ Krieg im wahren Sinne des Wortes mag es tatsächlich nicht geben. Aber es gibt notwendige und unvermeidliche Kriege. Ist der Krieg gegen heimtückisch agierende Terrorgruppen kein notwendiger Kampf? Möchte man wirklich den Verbrechern Zeit und Freiheit geben, sich aufzubereiten? Bringen die Positionen der sogenannten „Friedensbewegung“, die Verständnis für Terrorgruppen, nicht aber für die Verteidigungsmaßnahmen findet, uns weiter? Sie bekämpfen den Krieg nicht, sie lassen den Krieg zu.<br />
Zurück zum appellativen „wir“. Linguisten unterscheiden in der deutschen Sprache fünf Verwendungsweisen des Pronomens der ersten Person Plural – nach Martin Haase (2008) sind das exklusives, inklusives, extensives „wir“ sowie Majestäts- und Bescheidenheitsplurals (pluralis maiestatis/modestiae). Frühere Generationen kannten das extensive „wir“ noch vom Schaffner („Wohin fahren wir?“, „Wollen wir hier aussteigen?“) oder von Krankenschwestern („Wie geht es uns heute?“). Alexander Stephanowitsch hat die wohlwollend-paternalistische Haltung am Beispiel der CDU-Wahlkampagne 2009 analysiert. „Wir haben Kraft“ wurde in unzähligen Plakaten mit verschiedensten Konnotationen behauptet. Je nach der Variation bedeutete „wir“ die Bundeskanzlerin Merkel, die gesamte CDU, die CDU-Wählerschaft, das Volk und das Deutschland. Allzu bekannt sind Beispiele der meinungsbildenden „Bild“-Rhetorik: „Wir sind Deutschland“, „Wir sind Papst!“. Und klar – das ist nicht nur in Deutschland so üblich. Barak Obama ging in die Geschichte ein mit seinem Spruch „Yes, we can“ (2008), wofür er den Friedensnobelpreis im voraus erhielt, ohne etwas dafür gemacht haben zu müssen. Daraus wurde bekanntlich sogar ein Song, das seinerseits ans „We Are The World“ von 1985 erinnert, übrigens von selben Autoren komponiert.<br />
Das sind nicht nur Geschichten von gestern. Aktuell macht Renate Künast auf sich aufmerksam, indem sie verkündet: „Wenn wir Veränderungen wollen, müssen wir scharf ran“. Den Spruch trainierte sie zuerst 2008, da vertrat sie mit dem Satz Interessen von Bauern, mit dem inklusiven wir meinte sie in etwa: „Wir (Bauern) wollen und wir (die Ministerin) müssen“. Jetzt ist das ihre Losung in Berlin. Auf 50.000 Plakaten wird der Sprung vom einem zum anderen „wir“ gemacht: Wir, die Wähler, wollen, wir, Renate Künast, müssen. Die Grünen lernen also von der CDU, mit dem vox populi umzugehen.<br />
Es geht dabei um die Meinungs- und Deutungshoheit. Die Medien übernehmen zunehmend diese Rolle von den Politikern. Es bildet sich auch das Mainstream, das von dem Motto „Überparteiisch, Unabhängig“ schleichend verabschiedet. Das lesende wie fernschauende Publikum wird aufs massivste belehrt, eine Meinung anzueignen. Die abweichenden Positionen werden moralisch aburteilt und mit Verwünschungen und Verbotswünschen sanktioniert. Wenn man in die gutmenschliche Selbstartikulation tief genug hineinblickt, findet man ein ziemliches Machtbestreben, die Meinungs- und Deutungshoheit zu erlangen. Da wird kaum Toleranz zugelassen, da wird wie bei der kommunistischen Internationale für die reine Ideologie gekämpft. Das Gemeinsame ist der brennende Wunsch, die Welt nach eigenem Gutdünken umzugestalten, mehr oder weniger im Geiste der berühmten Marxschen Formel "Die Philosophen haben die Welt nur verschieden interpretiert; es kommt aber darauf an, sie zu verändern." Mir persönlich gefällt viel mehr die Abwandlung, die Odo Marquard daraus nicht einmal ironisch abgeleitet hat: „Es kommt nicht darauf an, die Welt zu verändern, sondern sie zu verschonen“.<br />
Zuletzt noch einmal zum Gutmenschentum und Toleranz. In den letzten Jahren zitieren verschiedene Vertreter der Muslime zu Recht den berühmten Spruch Goethes „Dulden heißt beleidigen. Die wahre Liberalität ist Anerkennung.“ Im einleitenden Grußwort zu den „Berliner Thesen“ dagegen stützt sich Bernhard Vogel, damaliger Präsident der Konrad-Adenauer-Stiftung, auf eine andere Position: „Im Geiste der Toleranz sehen wir in unseren jüdischen Landsleuten vollberechtigte Mitbürger.“ Konrad Adenauer hat das 1949 höchstpersönlich gesagt. Die Mehrheitsgesellschaft pendelt immer noch zwischen Goethe und Adenauer, zwischen Dulden und Anerkennen. In diesem Sinne nahm der Bundestagspräsident Norbert Lammert beim Kirchentag in Dresden auf sich, die nötigen Worte auszusprechen. „Es gibt keinen Dialog zwischen Religionen, schon gar keinen Trialog. Dialoge gibt es nur zwischen Menschen, sie müssen zum Dialog bereit und in der Lage sein.“ „Man muss sich treffen. Man muss tatsächlich arbeiten. Und vor allem: man muss es wollen.“ Schon wieder ein Appell? Ja, den finde ich aber gut!</blockquote>
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Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-58831604638549443632012-09-05T21:44:00.001+01:002012-09-05T21:59:08.743+01:00Gustav Mahler. Zwei Jubiläumsjahre<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Der folgende Text wurde zuerst für den "Weser Kurier" 2011 geschrieben.
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<blockquote>Das Mahler-Jahr hat erstaunlich wenig substanziell Neues an den Tag gebracht. Die Last der Vergangenheit zeigt sich als Besessenheit von zwei Aporien. Ist er ein Künstler des Fortschritts? Ist Mahler, ist seine Musik jüdisch?
Feuilletons, Bücher, Tagungen widmen sich weiterhin diesem Themenkreis, weniger der Vermittlung seiner Musik. Während Events drohen, die Botschaft seiner Musik zu untergraben, beschäftigen sich die Schreibenden mit Themen von anni passati.<br />
Was steckt dahinter?
In fast allen Publikationen der Jubiläumsjahre 2010-2011 wird Adornos Mahler-Buch (1960) als „die“ Quelle der sogenannten Mahler-Renaissance oder zumindest als eine der wichtigsten Voraussetzungen benannt. Das ist apologetisch und nur für seine Schüler wie Adepten nachvollziehbar.<br />
Adornos Mahler ist ein ideologisches Produkt. Adorno schätzte an ihm „die musikalisch immanente Negativität“, deutete „die sozialistische Neigung“, „das Proletariat“, „Pogrome“ hinein. Positive, lebensbejahende Werke erklärte Adorno für gescheitert. Die Siebte Symphonie? – Da sah Adorno „jenes ominös Positive, das freilich das Finale ruiniert“, „ein ohnmächtiges Missverhältnis“. Überhaupt – „Das reaktionäre Moment von Mahlers Musik ist ihr Naives“. Dass der Komponist mit jeder seiner Symphonien „eine neue Welt aufbauen“ wollte, sei ebenfalls „naiv“. Die Fünfte? „Buntes Getümmel“ im Finale. Nur kurz erwähnte Adorno abwertend Mahlers „vergebliche Jubelsätze“, „seine subjektive Unfähigkeit zum happy end“. Spätestens Klaus Tennstedt und Riccardo Chailly bewiesen erfolgreich das Gegenteil. Jens Malte Fischers Buch (2003) folgt aber auch in der verarbeiteten Fassung (2010) diesem Verdikt Adornos.<br />
Wenn die anderen über die Musik Mahlers als „Abbild seiner Seele“ schreiben, dann ist das für Adorno „Geschwätz“. Nein, „in Mahler dröhnt ein Kollektives, die Bewegung der Massen“. Nach Adorno „sympathisiert Mahlers Musik mit den Asozialen“. Oder: „Mahlers Musik ist Traum des Individuums vom unaufhaltsamen Kollektiv“. In der Sechsten Symphonie geht es darum, „dass der Jude Mahler den Faschismus um Dezennien vorauswitterte“. Typisch: Um zu belegen, dass bei Mahler das Plebejische, das Untere, das Niedrige seinen gebührenden Platz findet, erzählt Adorno: „Die erste Niederschrift des Themas „Alles Vergängliche ist nur ein Gleichnis“ aus der Achten Symphonie steht auf einem Stück Klosettpapier“. Adorno geht noch weiter: „Auf Mahler allein passte das Wort sozialistischer Realismus… Häufig klingen die russischen Komponisten der Jahre um 1960 wie ein verschandelter Mahler“. Das bezieht sich offensichtlich auf Schostakowitsch, den weltweit größten Nachfolger Mahlers! Die Achte? „Degeneriert“, wie all „die ritualen Kunstwerke im Spätkapitalismus“. „Die Achte, wie schon das Finale der Siebenten, (sei) Identifikation mit dem Angreifer. Sie flüchtet zur Macht und Herrlichkeit dessen, wovor sie sich fürchtet“. Mit Leichtigkeit geht Adorno solch ein Lapsus von der Feder wie „das Grelle, zuweilen Näselnde, Gestikulierende und durcheinander Redende macht genau, ohne Beschönigung jenes Jüdische zur eigenen Sache, das den Sadismus reizt“.<br />
Die wenigsten haben dieses Buch freiwillig gelesen. Im teilweise konfusen, sich dauernd widersprechenden Text ging es Adorno, wie immer, wenn er über die Musik schrieb, um manifeste Propaganda der Neuen Wiener Schule. Auch Mahler sollte die Vorstufe zu Schönberg werden, genauso wie Strawinsky in der „Philosophie der Neuen Musik“ darin untergehen sollte. Adorno machte aus Mahler einen Vorausahner. Gewiss, kann ein jeder aus einer Musik alles möglich heraushören. Als Richard Strauss dem Orchester die Dritte Mahlers vermittelte, erzählte er den Musikern von seiner Vorstellung „unübersehbarer Arbeiterbataillone, die zur Maifeier in den Prater ziehen.“ Nach Mahler hätte aber von dem gewaltsamen Frühlingsaufmarsch als dionysische Naturerscheinung die Rede sein müssen. Trotzdem wichtig ist es, dass Strauss nur von seiner Vorstellung redet. Adorno dagegen postuliert, die Musik der Fünften, Sechsten, Siebten Symphonie selbst spräche von Pogromen, Auschwitz, Gräueltaten der Nazizeit. So führt er Mahler unmittelbar zu Schönbergs „Survivor from Warsaw“ hin, fern jeglicher Argumentation, historischer und biografischer Gründe, nur weil er, Adorno, so denkt. Seitdem geistert diese Deutung durch die deutschsprachige Literatur.<br />
Es wird nicht nur übernommen und immer wieder zitiert, es wird so gehört und verstanden. Denn ein Adorno kann sich nicht geirrt haben. Ein frisches Beispiel findet sich im neuesten Deutungsbuch von Wolfgang Kretschmer (2010): Neben Zitaten aus Adorno erzählt der sympathisch unbefangene Autor von seinen eigenen Erlebnissen aus der Hitlerjugend als Hintergrund für seine Übereinstimmung mit Adorno. Was 1960 noch verständlich war, als Stimme der Nachkriegsgeneration, wirkt 2010 seltsam befangen und vereinnahmend. Für Kretschmer hat Mahlers Musik „stets etwas von Morbidität“, das sind „Märsche von Schreck und Schock“. Die Erste Symphonie endet „in einem Akt zerrissener Verzweiflung“, als ein „oben gestelzter, sich prostituierender Triumph“. In der Siebten Symphonie hört er „ein fratzenhaftes Abbild der Ankündigungsmusik jener späteren Kriegssondermeldungen des Reichsrundfunkes“. Sie „endet mit einer wilden Pogrom-Musik“. Dass die vorhandenen Aufnahmen das widerlegen, will Kretschmer auf Anfrage hin nicht als Argument gelten lassen.<br />
Aus heutiger Sicht riss Adorno die Trauermärsche Mahlers aus ihrem Kontext heraus und deutete sie zur bösen Vorausahnung um. Bei Mahler selbst sind sie aber ein Tribut an die spätromantische Idee der Regeneration: Man wird anders, verabschiedet sich von sich selbst, dem Früheren. Von den elf Symphonien endet eine einzige, die Sechste, mit dem Tod des Romanhelden. Die Vierte schafft es, uns als Kinder oder als mit Kindern Mitleidende ins Paradies zu bringen. Die drei letzten Werke besingen den Abschied vom Leben und bestehen darauf, dass das Leben weiter geht. Wie in jedem guten Roman gibt es bei Mahler Strecken, wo das Böse herrscht. Das kennt man spätestens seit Dickens viel zu gut. Nur dauert die Lektüre eines dicken Dickens-Romans einige Tage. Eine Symphonie Mahlers erstreckt sich über anderthalb Stunden, bei ähnlicher inhaltlicher Dichte der Ereignisse und Emotionen. Das Gute und das Böse sind bei Mahler sehr persönlich gefärbt, sie kommen auch außerordentlich persönlich an, bei jedem anders.<br />
Adorno beklagte die Ferne Mahlers von der Arbeiterbewegung und dichtete ihm trotzdem eine besondere Bedeutung für die Linke an. Auch dies geht ununterbrochen weiter, zuletzt im von der Kommunistischen Partei Österreichs angekündigten Vortrag Gerhard Scheits „Pogrommusik“ (2011). Darin wird „das revolutionäre Potenzial“ Mahlers angesprochen und wie seine Musik gegen die Kulturindustrie wohl kämpfte. Und immer wieder Pogrommusik. Scheits Argumentation ist wie Prokrustes Bett: April 1903 brach das erste Pogrom der Neuesten Zeit im zaristischen Russland aus, Mahler schrieb seine Fünfte 1903 (in Wahrheit war sie schon im Juli 1902 vollendet).<br />
Antisemiten haben Mahler von Anfang an vorgeworfen, Jude zu sein. Seine Persönlichkeit wie seine Musik – alles war ihnen jüdisch und verhasst. Max Brod, der große Kafka-Freund und Autor der heute noch inspirierenden Heine-Biographie, sah in Mahler dagegen den „größten jüdischen Genie der Neuzeit“. Die heutige deutschsprachige Mahlerforschung verteidigt den Komponisten gerne vor Antisemiten, indem sie ihm das Jüdische total abspricht. Das brisanteste Beispiel betrifft den sarkastischen Trauermarsch aus der Ersten Symphonie. Hans Heinrich Eggebrecht (1982) hat Vladimir Karbusicky (1978) zu Rate gezogen, um böhmische Hintergründe der Tanzweisen nachzuweisen. Eggebrecht tat Brods Hörerfahrungen ausdrücklich als „höchst fragwürdig“ ab, „zumal Mahler derartiges wohl nie gehört hat“. Die spätere Literatur bleibt dabei. Sogar Jens Malte Fischer kennt nichts anderes. Karbusicky begründete aber 1999 ausdrücklich, dass darin jüdische Melodien und gar Spiel- und Singweise eindeutig verwendet wurden. Eggebrecht konnte sich damit nicht auseinandersetzen, da er 1999 starb. Inzwischen wurde er aber posthum 2009 beschuldigt, sein Leben lang über seine Beteiligung an der Ermordung von Juden bei Odessa 1941 geschwiegen zu haben. Die Frage nach der Relevanz dieser „grassierenden“ oder besser gesagt „grässlichen“ Nachricht für die Bewertung des wohl anerkanntesten deutschen Mahler-Buchs der Nachkriegszeit wurde im Jubiläumsjahr nicht erörtert. Mahler wird in Deutschland hiermit weiterhin nach den Ausführungen eines ehemaligen Feldgendarmen verstanden, der Mahler unterstellte, nie die Synagoge besucht, nie jüdische Melodien gehört zu haben. Der Karbusicky-Artikel wird bis heute übereinstimmend ignoriert. Erst als dieser Artikel 2005 ins Englische übersetzt wurde, kam eine überhebliche Reaktion: Daniel Jütte (2009) hält seine Argumentation für „wenig überzeugend“ und bedauert, „wie sehr die wechselvolle Rezeptionsgeschichte Mahlers offenkundig einen nüchternen (und in den meisten Fällen ernüchternden) Blick in Mahlersche Partituren erschwert“. Unterdessen bleibt Karbusickys Argumentation unangefochten: Der künftige Komponist wuchs im böhmisch-jüdischen Milieu auf, er nahm, bis er 15 Jahre alt wurde, alle Klänge seiner Umgebung auf, das heißt auch tschechische und jüdische Weisen aller Art und verarbeitete sie, wie auch all das, was ihn später umgab, in seiner Musik. Sie ist keinesfalls ausschließlich jüdisch, sie spiegelt die bunt gemischte Situation der k.u.k-Welt. Mahler war kein jüdischer Komponist, er verwendete aber sehr wohl Elemente der jüdischen Musik.<br />
Von der Ersten Symphonie gibt es mehr als 130 Aufnahmen, jeder kann sich leicht eine eigene Meinung bilden. Darunter findet sich allerlei. Bei Leonard Bernstein eine jiddische Deutung, bei Rafael Kubelik eine tschechische, bei Dennis Zsoltay gar eine ungarische, alles überzeugend und idiomatisch erkennbar. Wenn Carlo Maria Giulini oder Jascha Horenstein daraus allerdings eine hohe Tragikomödie ableiten und weniger national färben, um sich um so mehr dem gemeinten Inhalt anzunähern, ist das noch beeindruckender: Es wird hier nun einmal die Begegnung eines sehr jungen Menschen mit der harten und brutalen Realität geschildert, mit der verlogenen Welt der Erwachsenen, wo überraschenderweise auch geheuchelt wird. Es ist ja ein musikalischer Roman, es wird eine Geschichte erzählt. Zwei Andeutungen, die Mahler selbst vorgeschlagen hat, passen hier immer noch: Nämlich, die Waldestiere begraben den Jäger und können dabei kaum ihre heimliche Freude verstecken. Oder: Während der Begräbnis-Prozession, begleitet durch einen Trauermarsch, begegnet man einer anderen Kapelle, die Tanzmusik aufspielt. Das wie auch immer geartete Böhmisch-Jüdische verwendet Mahler hier zum Zweck der hohen Parodie und nicht, um sich als national gefärbten Komponisten erkennen zu geben. Dieses Material wird dabei weder heruntergemacht noch aufgewertet, es ist Mittel zum Zweck. Der Antisemit verkennt das genauso wie der Philosemit. Wenn das dann auch noch die nüchterne Musikwissenschaft auffallend dauerhaft ignoriert, zeigt dies auf ernüchternde Weise deren Zustände. Zum Vergleich: Wenn Berlioz am Ende der „Symphonie fantastique“ seine Angebetete zur widerlichen Hexe verwandelt, kommt nicht einmal irgendeiner hartgesottenen feministischen Forscherin in den Sinn, dahinter eine frauenfeindliche Aussage zu wittern. Es ist klar, dass es sich um romantische (Selbst)Ironie handelt. Genauso bei Mahler.<br />
Das Jüdische wird also ausgeklammert, nicht einmal erwähnt, und wenn, dann nur verneinend. So geht das weiter: Weder im Konzertführer von Mathias Hansen (1996) noch im Mahler-Handbuch von Bernd Sponheuer und Wolfram Steinbeck (2009) findet sich auch nur ein Wort über die jüdische Konnotation. Wenn Karbusicky zitiert wird, dann nur aus dem Buch von 1978, genau wie es Eggebrecht vorgelebt hat. Da sich Jens Malte Fischer auf Adorno, Eggebrecht und Hansen bezieht, bleibt es auch bei ihm ähnlich, auch wenn er dem Thema eigens ein großes Kapitel widmet. Den Artikel von Karbusicky erwähnt auch er nicht.<br />
So bleibt ein großer Riss zwischen der Mahler-Literatur des Jubiläumsjahrs und der Rezeption durch das Publikum. Durch die Möglichkeit, eine Schallplatte und später Kompaktdisk zu Hause anzuhören, entstand die raumakustische Nähe zu dieser Musik, wie es zu keiner anderen davor möglich war und wie es keine andere so einfordert. Zu Hause kann man sich die passende Aufnahme aussuchen und daraus die eigene Lesart des musikalischen Romans ableiten, sich mit dem Helden identifizieren, sich bemitleiden, wiederauferstehen, mit der ewigen Erde eins werden. Mahler spiegelt unsere Menschlichkeit. Seine Musik ist als Projektionsfläche dafür wie geschaffen. Wollen wir dieselbe Musik auch anders wahrnehmen? Das dürfen wir.
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</blockquote>Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-38133320919254948652012-09-05T21:33:00.002+01:002012-09-06T08:04:34.572+01:00Ein nicht gedruckter LeserbriefAm 20.3.2011 ging der Brief an den "Weser Kurier":
<blockquote>In einer Buchvorstellung ordnet Alexandra Albrecht die Dirigenten Furtwängler und Karajan den Filmemachern Harlan und Riefenstahl zu. In ihren Worten: "Es ist immer der gleiche Typus, der nie Verantwortung übernommen hat". Einen Satz davor schreibt sie über Harlan, dass dieser "gar kein Bewußstsein für die eigene Schuld" entwickeln konnte. Ich möchte in diesem Zusammenhang richtigstellen, dass Karajan sehr wohl seine Mitgliedschaft in der Reichsmusikkammer später bedauerte. Zwar nur in überlieferten persönlichen Gesprächen und nicht in Bezug auf seine NSDAP-Mitgliedschaft, aber immerhin. Der eigenwillige Furtwängler erlaubte sich viel mehr, er verteidigte die künstlerische Freiheit (der Fall Hindemith und die personelle Politik sowohl in Bayreuth als auch bei den Berliner Philharmonikern) gegen Goebbels und Konsorten. Seine Zerrisenheit steht im krassen Gegensatz zu Harlan und Riefenstahl, die das Hitler-Regime mit ihrer "Kunst" förderten. Furtwängler verkörperte in den Augen seines Publikums in Nazi-Deutschland die letzte und beinahe einzige Bastion der Treue zu den alten humanistischen Idealen, geschunden und selbstverraten. Das erlaubt nicht, ihn in einem Atemzug mit Harlan und Riefenstahl zu erwähnen. Und noch ein Wort zu dem Begriff "Schuld". Wann lernen wir aus den Lebensgeschichten der großen Künstler und beziehen uns endlich auf unsere Gegenwart, anstatt zwischen Martin Walsers und Daniel Goldhagens überdimensionaler Entschuldigung/Beschuldigung der Vorgenerationen zu pendeln? Wann schweigen wir heute - wann melden wir uns unangepasst zu Wort?</blockquote>Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-73326746054185958762011-05-23T06:50:00.005+01:002011-05-23T07:01:10.751+01:00Wie in den alten ZeitenAm 21. Mai 2011 gastierte Lorin Maazel in Bremen. Ein Ereignis. Ein Artikel für den Weser Kurier:<br /><br />Während die anderen 9-jährigen Buben im Sandkasten spielten, dirigierte Lorin, das Wunderkind. Während sich andere 81-jährige Greise im Altersheim langsam vergessen, dirigiert Maazel immer noch. Und wie!<br /><br />Im Violinkonzert Mendelssohns legte er der Geigerin Arabella Steinbacher einen wunderbaren Klangteppich aus, sie konnte ihren vollen, gut ausgeglichenen Ton in perfekter Virtuosität präsentieren, andererseits blieb ihr wohl nicht viel Selbständigkeit: Maazel herrschte und bestimmte. Nur in der Solokadenz war Steinbacher gestalterisch frei, überzeugend und mitreißend. Ganz in diesem Sinne wurde der zweite Satz des Konzertes der beste, da hier eine echte Balance zwischen Orchester und Solistin, zwischen dem gelebten, gefüllten und gefühlten Takt und der Fortbewegung der fließenden Motive gefunden wurde. Eine stilechte, keinesfalls überromantische, in keinster Weise trockene Darbietung.<br /><br />Für Mahlers Erste Symphonie braucht man nicht wenig – einen inspirierenden Dirigenten und ein Orchester, das sich inspirieren lässt. Maazel und das Philharmonia Orchestra London bilden eine glückliche, seltene Symbiose darin. Kaum zu glauben, aber der Orchesterklang breitete sich in der Glocke vollkommen aus, war auf einmal farbenreich, detailliert, intensiv (insbesondere bei den Cellisten). Gewohnt an die in Watte gepackte saubere handwerkliche Leistung des heimischen Klangkörpers, der wie seit neuem bekannt, in Sachen Mahler seit den 20-ern ganz vorne und allen voraus ist, konnte man hier echte Kunst atmen, miterleben und bestaunen.<br /><br />Maazel verstand Mahler nie hermeneutisch, er erzählt auch hier keine Geschichte über einen jungen Menschen, der ins Leben eintritt und erwachsen wird. Vielmehr erklingt eine überaus faszinierende Klangwelt, gesättigt mit phosphoreszierenden Farben, pulsierenden Bewegungsabläufen. Wo bei den anderen Orchestern das Langsamer-und-Schneller-Werden zur schwer zu ertragenden Routine verkommt und als Tradition ausgegeben wird, kam es zu einer gut eingeübten aber lebendigen Gestaltung, zu dem, was Musizieren ausmacht.<br /><br />Seit Jahrzehnten pflegt Maazel seine Lesart Mahlerscher Partituren. Er weiß für jeden auch kleinsten Abschnitt und Gedanken sein Tempo, seine Zeichnung ist ziemlich festgelegt, nicht unbedingt immer genau nach der Partitur, aber ganz im Geiste Mahlers. Die Logik ist einfach: Langsamere und schnellere Episoden suggerieren in ihrer raschen Folge das Tempo rubato und werden buchstabierend klar strukturiert, dem Orchester aufs deutlichste gezeigt, obwohl die Intention des Dirigenten den Musikern nach zahlreichen Proben und Konzerten bekannt sein sollte (insgesamt sieben Wochen europaweit, später auch weltweit). Mit den Wiener und New Yorker Philharmonikern ging das daneben, das Resultat war zu wenig emotional und zu strukturalistisch. Mit dem Orchester des Bayerischen Rundfunks in den 90-ern und jetzt mit dem Londoner Philharmonia Orchestra ist Maazel erfolgreich: Man sieht, man hört die Harmonie zwischen dem Dirigenten und dem Orchester, die unabdingbar für Mahler ist. So entstand zum Beispiel im Trio des zweiten Satzes ein echter Wiener Walzer, atemberaubend frei und absolut überzeugend. Die wichtigsten Effekte im Finalsatz (langgezogene Auftakte und Atempausen) sind auch längst bekannt und wirken trotzdem immer wieder aufs Neue. Die Musiker sind bis in die letzten Pulte voll dabei und bereit, sich dem auswendig dirigierenden Maestro anzuvertrauen. Sie fühlen sich gut aufgehoben in den Händen des grimmigen Tyrannen. Fazit: Für das Bremer Publikum dürfte dieser Abend als das Konzert des Jahres gelten!Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-77320556778407715172011-05-02T09:03:00.004+01:002011-05-02T09:10:49.071+01:00Was Bremen brauchtHeute brachte "Weser Kurier" meine Meinung zum Thema "Was Bremen braucht", zumindest so lautete die Anfrage der Redaktion:<br /><br />Die Stadt Bremen befindet sich in der Schuldenfalle. Es muss eine Lösung her, um die Stadt aus der Verschuldung zu bringen, und zwar nicht durch das langsame Sterben auf dem Wege der Kürzungen, sondern mit einem kraftvollen Zerschneiden des Gordischen Knotens.<br /><br />Der Medienlandschaft bleibt im Interesse einer lebendigen Demokratie der Stadt zu wünschen, das Format einer Pro&Contra-Diskussion im - bisher alternativlosen - Weser-Kurier zu entdecken. Die bürgerliche Bloggerszene könnte sich auch mehr entwickeln, damit eine Gegenüberstellung von Meinungen nicht ausschließlich in Leserbriefen stattfindet.<br /><br />In der Bremer Bildungspolitik sollte das Rad nicht immer neu erfunden werden: Jeder nächste Senator entdeckt Amerika, und zwar jedes Mal anderswo! Warum liegt die Schulqualität in Bayern viermal höher, Bildungsarmut in Baden-Württemberg zweimal niedriger? Kann man bei den Nachbarn vielleicht lernen?<br /><br />Was die langfristige „Multikultipolitik“ anbetrifft (auch wenn sie von höchster Stelle für tot erklärt wurde), fehlt es an durchdachten Analysen und deren Umsetzung in der Gesellschaft durch kluge Vorbilder (von oben nach unten durch alle Etagen), die zeigen, wie man Menschen zusammenbringt. Die meisten Bremer leben gern bunt und tolerant. Wenn es aber ungemütlich wird, wenn ethnisch bedingt mentale und reale Konflikte entstehen, tut man immer überrascht, als habe es keine Warnzeichen gegeben. Ich wünschte uns, anstatt unseligen Anti-Sarrazin- oder Panikmacher-Debatten, anstatt der Verfeindungen beim Guttenberg-Skandal, anstatt der Hysterie des Atomkraftverzichts, kurzum anstatt allem, was das Gefühl „Wir gegen die Anderen“ fördert, – eine stringente Ausrichtung auf die Bildung des Wir-Gefühls im Sinne eines Respekts vor der Menschenwürde, die immer auf den Anderen und weniger auf sich selbst bedacht wird. Weniger gutmenschliche unverbindliche Floskeln, weniger Bevormundung der Immigranten und Gerede über migrantische Hintergründe, mehr Selbstverpflichtung der Arbeitgeber. Klare Grenzsetzung, aber auch klare Maßnahmen gegen Diskriminierung. Wer arbeiten will und kann, soll es auch tun können. Wer seine Steuern zahlt, darf zu Hause oder im Verein seine Kultur pflegen.<br /><br />Wir brauchen Politiker, die sagen, was sie meinen. Die tun, was sie sagen. Die das Charisma der Überzeugung, Denkschärfe, Glaubwürdigkeit und eindeutige Position mitbringen. Wobei ich erwähnen möchte, dass sich gerade die Jüdische Gemeinde nicht klagen kann. Es gibt aber das Leben auch außerhalb des polizeilich streng bewachten Zauns, nicht wahr?Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-55228681802402365232011-05-02T08:53:00.003+01:002011-05-02T09:02:55.335+01:00Lehrjahre der postmodernen LiteraturAuch ich mag gute Krimis. Es war mir eine Freude, am 24.10.2010 im "Weser Kurier" ein neues Buch dieser Art vorzustellen, und zwar unter dem Titel "Der kriminalistische Bruder von Alice im Wunderland":<br /><br />Mit seinem ersten Roman macht Jedediah Berry sehr wohl auf sich aufmerksam. Ein lesenswerter Krimi, und nicht nur ein Krimi. Berry ist ein fantasievoller Erzähler, man fühlt sich wie ein gerne träumendes Kind bei einer aufregenden Gutenachtgeschichte. Seine Belesenheit zeigt sich in vielen Affinitäten, die allesamt zueinander passen und gut gemischt sind. Der Held („a bicyclist and an umbrellist Unwin“) trägt einerseits einige sympathische Züge des Autors und ist andererseits gleichermaßen ein verspielter K. unter den dunklen Zwängen der Bürokratie und ein erwachsener Bruder von Alice, der in Wonderland-ähnlichen Abenteuern unerschütterlich den richtigen Weg findet. Das Magische eines Borges und das Spielerische eines Calvino mischen sich mit dem Bizarren eines Dahl und dem Atmosphärischen eines Dürrenmatt, alles unter dem großen Zeichen von Philip K. Dick und mit Dank an Chesterton.<br /><br />Ist das Resultat eklektisch? Keinesfalls, eher eine Literatur über die Literatur, aber nicht nur dies. Die stimmungsvolle (wenn auch im Vergleich zum Original etwas langatmige) Übersetzung von Judith Schwaab vermittelt ein Gefühl des Mitwissens, des Mitdabeiseins und Mitträumens. Zu den literarischen Allusionen kommen noch viele Comic-Elemente, und von denen ist es nicht mehr weit bis zu der Film-noir-Atmosphäre der Batman-Reihe. Insbesondere die fatale Gegenüberstellung der mächtigen Agentur und der Zirkus-Karneval-Welt ist wiederzuerkennen. Geheimnisvolle Frauen und die markige Figur des Detektivs Travis Sivart (ein Palyndrom!) entstammen nicht nur Chandlers Verfilmungen („The Big Sleep“), sondern auch „Sin City“. Echoes von „8 ½“, „Brazil“, „Matrix“, „The Ghost Dog“ schimmern durch wie auch eine wahrlich unvorhergesehene Nähe zu dem erst in diesem Jahr erschienenen Film „Inception“. Gerade zu Christopher Nolan ist die Verwandtschaft besonders frappierend und zeugt von dem Zugriff der beiden Autoren auf den Zeitgeist. Was ist das Gemeinsame hier, wenn man die zahlreichen Anlehnungen und Ähnlichkeiten beiseite legt?<br /><br />Eine enorme Angst vor Veränderungen, denen wir uns nicht entziehen können, die Angst, vor der wir nicht einmal in unseren Träumen in Ruhe gelassen werden. Berry lässt uns das wissen: „Irgendwo in den düsteren Winkeln der Nacht wird die Welt zum Trümmerhaufen, und wir vertrauen darauf, dass eine kleine Glocke alles wieder richten kann“. Er gibt die Hoffnung nicht auf und lässt seinen Helden am Ende des Romans verkünden: „Ich habe Angst, aber ich fühle mich auch lebendig und hellwach“. Der Erstling Berrys ist ein viel versprechender Anfang. Der zweite Roman ist in Arbeit und widmet sich „postapokalyptischen Abenteuern einer ‚Alice im Wonderland’“. Vielleicht etwas selbständiger und stringenter? Wir sind gespannt!<br />Jedediah Berry <br />Handbuch für Detektive <br />Verlag C.H. Beck <br />381 Seiten <br />19,95 EuroGrigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-29560895483691422242011-05-02T07:44:00.006+01:002011-05-02T08:52:59.374+01:00Gruß von übermorgenAm 12.7.2010 in der "Frankfurter Rundschau" ist ein bedeutender <a href="http://www.fr-online.de/kultur/musik/gruss-von-vorgestern/-/1473348/4452178/-/index.html">Artikel</a> von Hans-Klaus Jungheinrich mit dem Titel "Gruß von vorgestern" erschienen. Seine Gedanken über die Interpretation von Musik machten mich streitlustig. Im "Weser Kurier" durfte ich die Gegenposition zur Sprache bringen, und zwar am 30.9.2010, unter dem Titel "Alles eine Frage der Auslegung. Widerstreit der Lesarten: Warum es in der Musik keine verbindliche Interpretation geben kann":<br /><br />Der Streit um die „richtige“ Musikinterpretation ist keinesfalls nur eine Frage des Geschmacks. Klar: Die Musik, die man und frau zu wichtiger Stunde des Lebens gehört hat, prägt sich fest ein und wird zum eigenen Maß der musikalischen Dinge. Genauso oft bleibt die erste angehörte Aufnahme einer Komposition die Messlatte für den Abgleich.<br /><br />Nur: Auf die Weise verwechseln wir eine partielle, oft zufällig entstandene Meinung mit erarbeitetem Wissen. Denn auch über die Musikinterpretation lässt sich streiten. Und das geht so:<br /><br />Im Zeitalter der technischen (bisweilen digitalen) Reproduktion verfügen wir über Dutzende Aufnahmen von fast jedem Meisterwerk, die zu verschiedenen Zeiten und in unterschiedlichen Ländern entstanden sind. Sie dokumentieren sowohl kulturelle Besonderheiten als auch den Stil ihrer Zeit.<br /><br />So ist der Musikliebhaber im Meer unzähliger Medienträger zunächst einmal verloren, umsomehr als dass die Industrie jede neue Ausgabe mit Werbung als das non plus ultra anpreist. Wie kann man sich helfen?<br /><br />Nur durch Vergleich, indem man hineinhört und in sich geht. Das funktioniert ganz einfach. Man nehme einen markanten Satz einer klassisch-romantischen Symphonie und hole sich mindestens fünf würdige Aufnahmen. Man spiele sie sich nacheinander vor. Normalerweise kommt man nicht so schnell aus dem Staunen heraus, so stark sind die Variationen.<br /><br />Daraus entstehen mehrere Fragen. Gibt es eine einzige richtige Interpretation? Sind die restlichen falsch? Warum gab es noch vor 60 Jahren so große individuelle Unterschiede und heute nur geringe? Warum gefällt heute die eine Interpretation besser und morgen eine andere? Der Reihe nach.<br /><br />Zum Beispiel Bruckner. Man ist sich einig, seine Musik versinnbildlicht den klingenden Kosmos. Aber auch dieses Bild lässt sich unterschiedlich deuten. Ist sein Kosmos unbeweglich majestätisch? Oder verwandelt er sich in langsamen Wellen? Organisiert sich in immerwährenden Kreisen oder in mehrdimensionalen Steigerungen? Ist er statisch oder dynamisch? In sich ruhend oder dem Höchsten entgegen ausgerichtet? Und wenn statisch, darf er zumindest atmen oder soll nur wie ein Riesenkristall wirken? Hier teilen sich die Geister. Große Dirigenten haben ihre Lesarten brucknerscher Kosmologie angeboten. Extrem langsame Tempi von Sergiu Celibidache suggerieren das Monumentale des Alls, mehr oder weniger perfektionierte Statik herrscht bei Günter Wand, wohingegen die ruhige Atmung des Ewigen bei Herbert Karajan im Vordergrund steht. Alle drei streben zur Einheitlichkeit im Tempo, nur erreichen sie ein jeweils anderes Bild und wecken verschiedene Assoziationen. Die geschichtliche Nähe Bruckners zu Wagner wird hier außer acht gelassen, und was den oft angesprochenen „teutonischen“ Eindruck betrifft, so ist die gelungenste Aufnahme dieser Art nicht deutscher, sondern russischer Herkunft, und zwar von Evgeni Svetlanov. Kann denn ein Russe die deutsche und dazu noch erzkatholische Seele erfassen? Muss man allerdings überhaupt deutsch und katholisch sein, um die Musik eines gebürtigen Österreichers zu treffen?<br /><br />Das war aber noch nicht alles. Eugen Jochum hat fast zeitgleich mit Karajan gewirkt. Beide meinten das Sakrale, erreichten das entsprechende Ziel aber unterschiedlich. Jochum hatte eine wellenförmige, pulsierende Vorstellung vom Atem des Universums. Eine unmerkliche Steigerung der Geschwindigkeit in den langen Flächen neben den Ruhezonen zeigt: Jochum dachte in großen Dimensionen, in denen der tönenden Architektonik. Ist die in sich ruhende Plastizität Karajans gegen die exstatische Dramatik Jochums auszuspielen? – Nein, ich möchte auf keine von beiden verzichten.<br /><br />Dass man damit auch übertreiben kann, zeigte Hans Knappertsbusch. In heutigen Typologien der Dirigenten möchte man auf seine manchmal peinliche Affektiertheit verzichten. Trotzdem war Knappertsbuschs bedeutungsschwangeres Pathos nicht bloß „teutonisch“ und „manipulierend“, er war eher ein „komisches“ Gegenstück zur genialen Darstellung des dramatischen Willens, wie es Wilhelm Furtwängler pflegte. Die Tradition der ausdrucksfähigen Tempogestaltung war da, um die Geburt der Musik aus dem Geiste hier und jetzt zu präsentieren, es war immer einmalig und es wirkt auch heute noch so, leider mehr in Aufnahmen und kaum noch im Konzert. Unterm Strich bedeutet das, dass absolut daneben gelaufene Interpretationen daran erkannt werden können, dass sie einen Zuhörer gleichgültig lassen.<br /><br />Die Gründe dafür sind zahlreich, darunter der Perfektionismuswahn im Selbstverständnis einer zunehmend mehr und mehr demokratischen Orchesterkultur. Allerdings waren auch Konzertaufnahmen eines Willem Mengelberg perfekter als die Studioaufnahmen Wands oder Thielemanns. Als genauso subjektiv könnte man auch die historische Wahrheit der neuesten musealen Trends bezeichnen, denn treu dem Buchstaben vernachlässigen sie meist den Geist des Originals.<br /><br />Es geht hier wohl weniger um den ewigen Streit über Wagner und Beethoven als angebliche Antipoden in der Aufführungstradition der deutschen Musik als vielmehr um eine subjektive Annäherung an den objektivierten Inhalt der Autorenaussage. Wie Bruckners Symphonien, lässt sich jedes Meisterwerk erschließen. Um mit nur noch einem Beispiel abzurunden: Was für eine Freude ist es, sich von der Binsenwahrheit einer „Unvollendeten“ zu verabschieden und zu erkennen, dass sie vollendet ist! Denn man liest immer noch oft die Frage, wie es wohl passieren konnte, dass Schubert nur zwei Sätze zustande brachte. Erst beim vergleichenden Hören lässt sich die Vollkommenheit der Komposition erahnen, wenn Dirigenten den Proporz zwischen den Elementen aufs Neue suchen und meinen. Mehr sogar, je individueller die Lösung, desto überzeugender das Konzept. Denn Musik ist eine Kunst und will menschliche Unterschiede vermitteln. Es gibt keine einzig wahre Interpretation, weil kein Mensch dem anderen gleicht. Mit anderen Worten: Wir verständigen uns durch Musik erfolgreich, nur weil und wenn wir unterschiedlich sind.Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-83787478207940522722010-06-25T08:04:00.008+01:002018-09-01T13:54:26.619+01:00Der Fehler, den Arnold Schönberg zuließ<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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</script>„Pierrot lunaire“ gehört zu den berühmtesten Werken der Musikgeschichte. Seit der erfolgreichen Premiere 1912 wird der Zyklus überall und immer wieder gespielt, inzwischen lassen sich die Aufnahmen zu Dutzenden aufzählen, Rezeption und Analyse weisen eine stattliche Geschichte auf. Man könnte denken, wir wissen genug über dieses Werk, über seine atonale Sprache, über seine Position als Meilenstein in Bezug auf den Sprechgesang, über seine Rolle in der Neuen Musik.<br />
Trotzdem entsteht oft die Frage, wie man den Sprechgesang verstehen soll - auch wenn das Vorwort Schönbergs zur „Pierrot“-Ausgabe vermeintlich alles erklärt. Da greift man gerne zur autorisierten Aufnahme, die unter der Betreuung Schönbergs 1940 entstand. Und wenn wir diese Aufnahme genauer betrachten, entdecken wir doch ein größeres Problem, welches nicht einfach von der Hand zu weisen ist: Die Sängerin singt ganz andere Töne - ungefähr eine Quarte bis Sexte tiefer als notiert, und dazu noch im engeren Ambitus. Nehmen wir ein Beispiel, einige Fragmente aus dem Lied „Der kranke Mond“:<br />
Notenbeispiel 1<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/_YdAshpCpG7c/TCQtNIOZDhI/AAAAAAAAABs/rq_I_C3DjoQ/s1600/Der+kranke+Mond+1.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5486559949613501970" src="https://4.bp.blogspot.com/_YdAshpCpG7c/TCQtNIOZDhI/AAAAAAAAABs/rq_I_C3DjoQ/s400/Der+kranke+Mond+1.jpg" style="display: block; height: 118px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" /></a>
Klangbeispiel 1:<br />
<iframe frameborder="no" height="60" scrolling="no" src="http://w.soundcloud.com/player/?url=http%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Ftracks%2F53908895&show_artwork=true" width="50%"></iframe><br />
Notenbeispiel 2<br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/_YdAshpCpG7c/TCYVSXCz8DI/AAAAAAAAACE/upqLCAxeJfQ/s1600/Der+kranke+Mond+2.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5487096601165164594" src="https://1.bp.blogspot.com/_YdAshpCpG7c/TCYVSXCz8DI/AAAAAAAAACE/upqLCAxeJfQ/s400/Der+kranke+Mond+2.jpg" style="cursor: pointer; height: 149px; width: 400px;" /></a><br />
Klangbeispiel 2:<br />
<iframe frameborder="no" height="60" scrolling="no" src="http://w.soundcloud.com/player/?url=http%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Ftracks%2F53908896&show_artwork=true" width="50%"></iframe><br />
Notenbeispiel 3<br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/_YdAshpCpG7c/TCQtONLCN4I/AAAAAAAAAB8/YuRUmwoE0Eg/s1600/Der+kranke+Mond+3.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5486559968121468802" src="https://1.bp.blogspot.com/_YdAshpCpG7c/TCQtONLCN4I/AAAAAAAAAB8/YuRUmwoE0Eg/s400/Der+kranke+Mond+3.jpg" style="display: block; height: 153px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" /></a>
Klangbeispiel 3:<br />
<iframe frameborder="no" height="60" scrolling="no" src="http://w.soundcloud.com/player/?url=http%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Ftracks%2F53908897&show_artwork=true" width="50%"></iframe>
Intervalle, die zwischen der Stimme und der Flöte entstehen, entsprechen nicht der Notation. Die Rezitation folgt den Kurven, der Zeichnung, der Ausrichtung, aber versteht die Notation fast nur als Anregung zum Melodram (in einem engen Begriffsverständnis). Wie konnte der Komponist das zulassen?<br />
Die Sängerin heißt Erika Stiedry-Wagner, sie hat den „Pierrot“ seit Anfang der 20er Jahre mehrfach gesungen, ihr guter Ruf ist unangefochten. Der Pianist Eduard Steuermann - ein getreuer Schüler Schönbergs - bereitete die Aufnahme 1940 genauso akribisch vor wie 1912 die Uraufführung. Über Albertine Zehme, für die das Werk geschrieben wurde, schrieb dieser: „Sie war eine intelligente und künstlerische Frau, aber von Beruf Schauspielerin und nur so musikalisch wie die gut erzogenen deutschen Damen dieser Zeit.“ Zehme galt als Diseuse, ihr Handwerk war das Rezitieren und nicht das Singen (nach Noten). Wir können annehmen, dass die Diskrepanz zwischen Notation und hörbarem Resultat in der Aufnahme von 1940 auf die Tradition des Kabaretts und die Kompromissbereitschaft Schönbergs zurückgeht. Die Frage bleibt, warum war dieser Kompromiss notwendig? Es ist anzunehmen, dass es alternativlos war. Schönberg machte sich allerdings auch keine Illusionen. In einem unveröffentlichten Brief vom 25. Dezember 1941 an Erwin Stein, einem Schüler und Freund, einem Musiker und Musikwissenschaftler, der seinerzeit „Pierrot“ mit Erika Stiedry-Wagner einstudierte, bewertete er die Aufnahme nüchtern: „They are to a great part quite good, though Mrs. Stiedry is never in pitch and several pieces are not very well recorded.“ (zit. nach Byron/Pasdzierny oder Soder). Der ursprüngliche Auftrag Schönbergs war nun einmal, eine deutsche Kabarett-Tradition zu rezipieren und nicht das Kunstlied. Albertine Zehme wie Erika Stiedry-Wagner waren offensichtlich nicht in der Lage, die gewünschten Töne genau zu treffen - der natürliche Umfang ihrer Stimmen erlaubte den ungezwungenen Sprechgesang im tieferen Tonumfang als vom Komponisten vorgeschrieben. Davon ausgehend, dass die Möglichkeiten der Sängerinnen eine natürliche Grenze bildeten, sollten wir einen Blick in die weiteren Aufnahmen werfen - in der Erwartung einer besseren Realisierung.<br />
Mit der folgenden sehr wohl anerkannten und bekannten Aufnahme, die Pierre Boulez betreut hat, verhält es sich aber nicht anders. Hier das Klangbeispiel mit Helga Pilarczik (1962):<br />
Klangbeispiel 4:<br />
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Klangbeispiel 5:<br />
<iframe frameborder="no" height="60" scrolling="no" src="http://w.soundcloud.com/player/?url=http%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Ftracks%2F53908900&show_artwork=true" width="50%"></iframe><br />
Klangbeispiel 6:<br />
<iframe frameborder="no" height="60" scrolling="no" src="http://w.soundcloud.com/player/?url=http%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Ftracks%2F53908901&show_artwork=true" width="50%"></iframe>
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Man bekommt das Gefühl, dass die Vorbereitung im engen Hörkontakt zu der vorigen Aufnahme bestand. Offensichtlich enttäuscht von diesem Resultat unterzog Boulez nicht seine Interpretation, sondern das Werk selbst, und zwar ein Jahr später im Programmartikel „Sprechen, Singen, Spielen“ (1963) einer prinzipiellen Kritik. Boulez erkennt die Verwurzelung des Werkes in „kabarettistischen Pflichtzölle[n]“ (S.126), empfindet die Aufnahme von 1940 aber als „schrecklich altmodisch“ (S. 127). Die Notation Schönbergs sei ein „Irrtum“ (S. 128): „Das Werk liegt gleichermaßen zu hoch wie zu tief“ (S. 128). Boulez fühlt sich zu der luziden „Koketterie mit dem schlechten Geschmack“ „wenig hingezogen“ (S. 131). Schon im berühmten Artikel von 1952 erklärte Boulez Schönberg für tot, da dieser seine kompositionstechnische Revolution nicht konsequent genug durchgeführt habe. Im Jahre 1977 folgte die zweite Aufnahme, die Boulez betreut hat, - diesmal mit Yvonne Minton:<br />
Klangbeispiel 7:<br />
<iframe frameborder="no" height="60" scrolling="no" src="http://w.soundcloud.com/player/?url=http%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Ftracks%2F53908902&show_artwork=true" width="50%"></iframe><br />
Klangbeispiel 8:<br />
<iframe height="50" src="https://drive.google.com/file/d/0B7ZV6oe1L9SyOXRJT2lpTVdSa0k/preview" width="430"></iframe>
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Klangbeispiel 9:<br />
<iframe frameborder="no" height="60" scrolling="no" src="http://w.soundcloud.com/player/?url=http%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Ftracks%2F53908904&show_artwork=true" width="50%"></iframe><br />
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Diesmal stimmen alle Töne auf einmal genau, die Rezitation weicht dem Gesang - im offenen Widerspruch zur oben zitierten Analyse von Boulez aus dem Jahr 1963. Boulez muss sich entscheiden und er setzt nun auf Genauigkeit. Die Intervalle stimmen - das Kabarett muss zurücktreten. Ähnlich verhält es sich auch in der dritten Aufnahme mit Boulez (1998) - die Solistin ist Christine Schäfer:<br />
Klangbeispiel 10:<br />
<iframe frameborder="no" height="60" scrolling="no" src="http://w.soundcloud.com/player/?url=http%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Ftracks%2F53908905&show_artwork=true" width="50%"></iframe><br />
Klangbeispiel 11:<br />
<iframe src="https://drive.google.com/file/d/0B7ZV6oe1L9SyTU91aDlDY0pKVmc/preview" width="430" height="50"></iframe>
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Klangbeispiel 12:<br />
<iframe src="https://drive.google.com/file/d/0B7ZV6oe1L9SybU04SUlwcEVaZVE/preview" width="430" height="50"></iframe>
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Auf diese Weise hat Boulez eine neue Aufführungstradition erschaffen: Aus dem Sprechgesang entsteht Gesang, aus dem Kabarett Kunstlied. Schönbergs Weg und Stil werden der Auffassung Boulez’ angepasst, Schönberg wird überwunden, „Pierrot“ wird zum Vorgänger für „Marteau sans maître“.<br />
Um so überraschender ist es, dass fast zeitgleich zu dieser letztgenannten Aufnahme eine andere entsteht, die eine Art Synthese beider Methoden darstellt, mit der Sängerin Sonja Bergamasco (Contempoartensemble unter Leitung von Mauro Ceccanti, 1997):<br />
Klangbeispiel 13:<br />
<iframe frameborder="no" height="60" scrolling="no" src="http://w.soundcloud.com/player/?url=http%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Ftracks%2F53908908&show_artwork=true" width="50%"></iframe><br />
Klangbeispiel 14:<br />
<iframe frameborder="no" height="60" scrolling="no" src="http://w.soundcloud.com/player/?url=http%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Ftracks%2F53908909&show_artwork=true" width="50%"></iframe><br />
Klangbeispiel 15:<br />
<iframe frameborder="no" height="60" scrolling="no" src="http://w.soundcloud.com/player/?url=http%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Ftracks%2F53908910&show_artwork=true" width="50%"></iframe><br />
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Eine höhere, aber auch umfangreichere Stimme erlaubt der Sängerin nicht nur genau zu intonieren, sondern auch gleichzeitig zu rezitieren. Das ist es also, so war es gemeint! Ein „schwarzes Kabarett“, wie von Boulez beschrieben (S. 130), jedoch bis zu diesem Zeitpunkt nie verwirklicht. Sarkastisch, voll bitterer Selbstironie und musikalisch perfekt eingebunden. Aber auch vor 30 Jahren entstand eine perfekte Aufnahme dieser Art, mit Jan DeGaetani (ein Ensemble unter der Leitung von Arthur Weisberg, 1970):<br />
Klangbeispiel 16:<br />
<iframe frameborder="no" height="60" scrolling="no" src="http://w.soundcloud.com/player/?url=http%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Ftracks%2F53908911&show_artwork=true" width="50%"></iframe><br />
Klangbeispiel 17:<br />
<iframe src="https://drive.google.com/file/d/0B7ZV6oe1L9SyR20zcnE5RWMxQk0/preview" width="430" height="50"></iframe>
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Klangbeispiel 18:<br />
<iframe src="https://drive.google.com/file/d/0B7ZV6oe1L9SySDN0TnF3c3N1eGM/preview" width="430" height="50"></iframe>
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Ebenfalls genau intoniert und präzise eingebunden, aber mit einem anderen Charakter, mehr lyrisch, eher nach innen gewandt, voller Selbstmitleid, eine andere Facette Pierrots. Es ist also möglich, im Rahmen des wiederentdeckten Stils auch unterschiedlich zu interpretieren, ohne auf das Rezitieren oder aufs Singen zu verzichten. Fast ein Jahrhundert nach der Uraufführung haben Sängerinnen und Musiker es bewiesen und dabei auch die Beweisführung der eigenmächtigen Theorie zerschlagen, die Boulez Jahrzehnte lang aufgebaut hat. Die Kabarett-Tradition wurde gerettet und der Weg zum „Marteau sans maître“, der von Pierrot sicherlich ausgeht, muss den Pierrot selbst nicht darunter begraben. Seine Eigenständigkeit besteht in der einzigartigen Synthese der Stilelemente, in der Position zwischen den Zeiten und nicht nur in der Vorbereitung der Avantgarde der 60er. Für Schönberg steht seine Komposition viel mehr im Kontext seiner Wiener Jahre, durchaus eine Hommage an eigene künstlerische Wurzeln. Man vergleiche nur seine frühere Komposition auf dem Gebiet des Chansons „Der Nachtwandler“ (1901), hier in der Aufnahme mit Jessy Norman, begleitet von einem Ensemble unter der Leitung von James Levine (2005):<br />
Klangbeispiel 19:
<iframe src="https://drive.google.com/file/d/0B7ZV6oe1L9SyR3hhZUtnaGxlZms/preview" width="430" height="50"></iframe>
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Ist das nur Gesang? Oder doch auch Rezitation? Die Sängerin spielt mit der Tradition des Kabaretts, auch wenn kein Sprechgesang vorgesehen ist.<br />
War der Fehler, den Arnold Schönberg in der Aufnahme von 1940 zulassen musste, unvermeidbar? Zu seiner Zeit sicher ja, jedoch heute nicht mehr. Im Meer unzähliger Aufnahmen erscheinen weiterhin solche, die nur auf das Rezitieren oder nur auf reinen Gesang setzen. Es gibt aber auch zumindest die beiden hier hervorgehobenen Aufnahmen - mit Jan DeGaetani und Sonja Bergamasco, welche das Gegenteil beweisen. So wird die Aufführungsgeschichte zum unzertrennlichen Teil der Kompositionsgeschichte und der Selbsterkenntnis der Neuen Musik. Das Werk kann man unmöglich verstehen ohne seine Rezeption und ohne die Interpretation durch Künstler einzubeziehen. Allzumenschlich? Warum nicht? Ist denn die Musikgeschichte nur eine Geschichte des musikalischen Objekts?<br />
<br />
Diskographie (nach <a href="http://www.usc.edu/libraries/archives/schoenberg/as_disco/works/021.htm">Wayne Shoaf</a>):<br />
Stiedry-Wagner 1940: CBS MPK 45695 mono ADD (1989) CD<br />
Pilarczyk 1961: Adès 202912 stereo AAD (1985?) CD<br />
DeGaetani 1970: Nonesuch 9 79237-2 stereo AAD (1990) CD<br />
Minton 1977: Sony Classical SMK 48466 stereo ADD (1993) CD<br />
Bergamasco 1997: Arts 47389-2 stereo DDD (1998) CD<br />
Schäfer 1997: Deutsche Grammophon 457 630-2 GH stereo DDD (1998) CD<br />
Norman 1990: Philips B0005512-02 PM2 stereo DDD (2005) 2 CD<br />
Zitate:<br />
Boulez P., Werkstatt-Texte, FfM 1972<br />
<a href="http://scholarship.rice.edu/bitstream/handle/1911/18980/3216784.PDF?sequence=1">Soder</a> A. L., Arnold Schoenberg’s Pierrot lunaire: A study of Sprechstimme and vocal performance praxis through sound recording. Houston 2006<br />
<a href="http://mto.societymusictheory.org/issues/mto.06.12.1/mto.06.12.1.byron_frames.html">Byron</a> A., Pasdzierny M., Sprechstimme reconsidered once again: 'though Mrs. Stiedry is never in pitch’. Music Theory Online, 2007, vol.13, number 2, June 2007</div>
Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-47339757363551004882010-02-12T20:08:00.006+01:002010-03-20T09:16:41.456+01:00Für das NPD-VerbotAm 10.2.2010 beteiligte ich mich an der <a href="http://www.kas.de/proj/home/events/85/1/year-2010/month-2/veranstaltung_id-39311/index.html">Podiumsdiskussion</a> zum Thema NPD-Verbot, die von der Konrad-Adenauer-Stiftung Bremen veranstaltet wurde. Im Vorfeld sowie im Hintergrund gab es <a href="http://www.taz.de/1/nord/bremen/artikel/1/xxxx-xx-xxxxx-xxxxxx/">Irritationen</a>, so möchte ich meine Sicht der Diskussion hier wiedergeben.<br /><br />Nach der Diskussion glaube ich, dass Unterstellungen, die davor gesät wurden, fehl am Platze sind. Ralf Altenhof, Leiter der Bremer Abteilung, hat für das Thema vier Diskutanten gefunden, jeder von uns hat eine klare Meinung mitgebracht und trat gegeneinander mit Argumenten vor. Ich glaube, eine Diskussion dieser Art bringt auch etwas. Es soll nicht gleich eine Demo sein, oder anders formuliert, neben einer Blokadetaktik soll man auch diskutieren, warum man immer wieder dort landet, wo man angefangen hat, warum Demonstrationen und Blokaden weiter aufeinander folgen.<br /><br />Es ist immer dasselbe, in den Diskussionen zum Thema sind sich alle schnell klar: Die NPD ist rechtsextrem, antidemokratisch, verfassungswidrig, das weiß jeder. Nicht so klar ist es mit der Frage nach dem Verbot, und sie wird immer wieder gestellt. Dabei wähnt sich jede Seite im Besitz der Mehrheitsmeinung. Das soll heißen, wer für das Verbot der NPD auftritt, meint, hinter ihm stehe die überwiegende Mehrheit. Ein Gegner des Verbots ist sich dagegen sicher, dass es kaum möglich ist, eine von seiner abweichende Meinung zu vertreten. Die Argumente pro et contra sind seit langem bekannt, die Positionen festgefahren. Wozu überhaupt diskutieren?<br /><br />Es ist viel mehr ein (zweifelhafter) intellektueller Genuss, miteinander zu streiten, nach neuen Argumenten zu suchen, die ihrerseits nach den sofort folgenden Widerlegungen wieder weiter geschärft werden können. Der Motor ist hier offensichtlich der eigens aus Chemnitz eingeladene Eckhard Jesse, dessen Extremismus-Theorie bei der Bundesregierung so gut ankommt. Er kennt sich in der Materie gut aus, weiß mit dem Auditorium umzugehen, weiß, welche Argumente wann aufzufahren sind.<br />In Bremen hat er kein Wort über seine Extremismus-Theorie verloren und bot kaum Flanke für die Auseinandersetzung damit (aktuelle lesenwerte Beiträge dazu siehe <a href="http://jbfete.wordpress.com/2010/01/09/die-entsorgung-des-rechtsextremismus/">hier</a> und <a href="http://www.miro-jennerjahn.eu/blog/gibt-es-extremismus-anmerkungen-aus-politischer-perspektive/">hier</a>). Er sei sogar mit den üblichen und bekannten Argumenten für das Verbot einverstanden und habe nichts dagegen, er sei auch für die „streitbare Demokratie“ und prinzipiell auch für das Instrument „Parteiverbot“. Er wolle aber neue Argumente gerade in die Debatte einbringen, die viel überzeugender seien: Liberalität und Effizienz. In etwa:<br /><br /><blockquote>Wir leben in einer freien Gesellschaft, das ist doch keine „Schön-Wetter-Demokratie“ mehr. Man soll den Ideologen der NPD nicht glauben, wenn diese behaupten, sie seien stark. Nein, sie sind ganz schwach. Nach Gesprächen mit Horst Mahler ist Jesse davon überzeugt, mehr als je. Wir sollten deswegen keine Jakobiner mehr sein und unsere Intoleranz zügeln: Die NPD wäre demzufolge zu ertragen.<br />Außerdem werde durch jegliches Verbot einer rechtsextremen Organisation das aggressive Potenzial freigesetzt. Aus den verbotenen Gruppen kommt ein Zulauf, der radikaler, gewalttätiger ist, was der NPD-Kader auf keinen Fall vertreten wolle. Hier setzte auch Wilhelm Hinners (CDU Bremen) ein, der von 30.000 militanten Rechtsextremen sprach, von denen er nicht weiß, wie man sie von der Straße wegbekommt. Hinners zitierte hier auch Uwe Barkes - über die Schwierigkeit, militante Schichten zu erreichen.</blockquote><br /><br />Das sind „neue“ Argumente. Einerseits sind wir so freidemokratisch und liberal, dass wir alles erdulden können. Andererseits kümmern wir uns um die Effizienz und wollen es vermeiden, dass 30000 Militante auf einmal auf der Straße stehen.<br /><br />Aus meiner Sicht halten diese Argumente nicht durch: Sie schließen einander vielmehr aus. Entweder haben wir eine starke gefestigte Demokratie, ohne geschichtliche Lasten, ohne Leichen im Keller sozusagen, und dann brauchen wir keine Angst vor 6500 angekündigten Rechtsextremen in Dresden am 13.2.2010 zu haben. Oder wir machen uns Sorgen um eine vergleichsweise junge Demokratie und haben Angst vor gewalttätigen Rechtsextremen auf der Straße. Das Eine schließt das Andere aus.<br /><br />Ich bin mir sicher, beim nächsten Auftritt wird Eckhard Jesse neue Argumente aufrollen. Ich ordne die Extremismus-Theorie dem Spektrum der neurechten Ideologie zu und bedauere es sehr, dass es in der Diskussion unmöglich war, darauf einzugehen.<br /><br />Unterm Strich wurde mir sehr deutlich, dass die wichtigsten Argumente für das NPD-Verbot sehr schnell vom Tisch geräumt werden. Viel zu schnell.<br /><br />Ich benenne hier nur zwei, die in den Medien auffallend wenig präsent sind.<br /><br /><blockquote>1. Die NPD erhält die staatlichen Subventionen. Pastor Friedrich Scherrer zitierte vom Podium, dass sie allein in Jahren 2002 bis 2007 4,7 Mio Euro kassierte. Meine Ergänzung dazu: Die NPD Thüringen weiß 2009 ganz genau:<br />„Ab dem nächsten Jahr wird die NPD mehr als doppelt so hohe Einnahmen aus der staatlichen Parteifinanzierung erhalten wie bisher“.</blockquote><br />Das darf in der deutschen Demokratie nicht sein.<br /><br /><blockquote>2. Der sogenannte Verfahrensfehler, warum der Prozess gegen die NPD nicht stattfinden durfte, ist ein Missverständnis (oder ein Betrug der Öffentlichkeit, je nachdem wie man das nimmt). Die V-Leute, die ausgemacht wurden, sind keine agents provocateurs oder Doppelagenten, sondern NPD-Kaderleute, die hin und wieder beim Verfassungsschutz für einen kleinen Obolus plaudern. Dass die Richter es nicht verstehen wollten oder konnten, ist kein gutes Zeichen für unsere Demokratie.</blockquote><br />Ich möchte nun noch am Rande erwähnen, dass Ralf Altenhof die Diskussion gut moderiert hat, was angesichts der <a href="http://www.taz.de/1/nord/bremen/artikel/1/xxxx-xx-xxxxx-xxxxxx/">Publikation</a> in der TAZ kein leichtes Unternehmen war und weil er selbst eine klare <a href="http://www.dradio.de/dkultur/sendungen/kritik/728121/">Meinung</a> dazu hat, die der von Hinners und Jesse nahe kommt. Ehrlich gesagt, habe ich nach dieser unfreiwilligen TAZ-Werbung mehr Publikum erwartet. Hier gilt wiederum, was ich schon zu Anfang meinte: Das Thema ist alt und Meinungen sind fest. Es ist bitter, dass es bei Gesprächen wie dieser Diskussion bleibt. Es trägt zur Politikverdrossenheit bei. Das sehe ich als Zeichen der strukturellen Schwäche unserer Demokratie und bleibe bei der Forderung, die NPD zu verbieten.<br />UPDATE: Eine <a href="http://www.ip-photo.com/ip-photo_Website_iWeb/ip-photo.com/Story_Dresden_Ruckblick.html">Fotoserie</a> von Peter Jülich, passend zum Thema.Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-30947980837930615292009-11-07T18:26:00.003+01:002009-11-07T18:34:28.296+01:00Zwischen den Zeilen von Hanna ArendtSchon zweimal stolperte ich über die seltsame Annäherung der Texte von Hanna Arendt an antisemitische Gemeinplätze. Heute sehe ich, dass ich nicht der einzige bin, dem das aufgefallen ist:<br /><br /><a href="http://www.slate.com/id/2234010/pagenum/all/">The Evil of Banality<br />Troubling new revelations about Arendt and Heidegger.</a><br /><br />Darin analysiert Ron Rosenbaum die aktuelle Literatur zum Thema und geht etwas weiter. Zum Beispiel so:<br /><blockquote>In a long, carefully documented essay, Wasserstein (who's now at the University of Chicago), cites Arendt's scandalous use of quotes from anti-Semitic and Nazi "authorities" on Jews in her Totalitarianism book.<br /><br />Wasserstein concludes that her use of these sources was "more than a methodological error: it was symptomatic of a perverse world-view contaminated by over-exposure to the discourse of collective contempt and stigmatization that formed the object of her study"—that object being anti-Semitism. In other words, he contends, Arendt internalized the values of the anti-Semitic literature she read in her study of anti-Semitism, at least to a certain extent.</blockquote><br />Für Arendt-Fans und Arendt-Preisträger bestimmt lesenwert.Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-43405696394671450422009-09-01T11:30:00.004+01:002009-10-26T07:23:31.769+01:00Zwei Blicke auf die Zukunft des InternetsFast zu gleicher Zeit sind zwei Texte zugänglich geworden, die in ihrer Intention so ziemlich gegensätzlich sind. Peter Glaser hat sich über die "Atomisierung" des Informationsflusses im Web gewundert (<a href="http://www.berlinonline.de/berliner-zeitung/archiv/.bin/dump.fcgi/2009/0825/feuilleton/0004/index.html">Link</a>). Marc Cuban hat die sich anbahnende weitere Beschleunigung in der Datenvermittlung bewundert (<a href="http://blogmaverick.com/2009/08/25/the-internet-is-about-to-change/">Link</a>).<br /><br />Der erste sieht die Lage pessimistisch und mahnt seine Leser, doch etwas dagegen zu tun, da sonst alles zerfalle. Er sammelt in seinem eigenen Blog übrigens jeden Tag Beispiele dieser Atomisierung. Der andere freut sich über die berauschende Beschleunigung und macht auf den Zugewinn aufmerksam, auch wenn seine Kommentatoren darauf hinweisen, dass einiges nicht so ganz neu ist (was die Sache selbst nicht in Frage stellt).<br /><br />Beide haben etwas beobachtet, was tatsächlich da ist, nur unterschiedlich bewertet, aus unterschiedlicher Perspektive. Menschlich. Man könnte glatt daraus einen philosophischen Artikel kreiieren. Wenn nur die Zeit dafür da wäre...<br /><br />Hier also nur ganz kurz:<br />Nicht die Sammlung oder Synthese der digitalisierten Fragmente ist auf der Tagesordnung, denke ich, sondern die Kompensation der enormen Beschleunigung. Wir können mit der Menge der Information umgehen, auch wenn sie so gewaltig ist. Diese zu sortieren, ist zwar schwer, ist aber möglich. Wir tun uns schwer, mit der ständigen und dazu noch schneller werdenden Veränderung unserer Umgebung fertig zu werden. Wenn auf der einen Seite von etwas zu viel ist, soll es möglich sein, auf der anderen Seite Zeit stehen zu lassen, sich zurückziehen zu können. Nur im Ausgleich wäre die Anpassung, weil nach dem Web 2.0 sehr wohl Web 3.0 kommt, das ist nicht zu stoppen.<br /><br />Noch zu erwähnen wäre hier, dass auf den zweiten Artikel mehrere Kommentare gekommen sind, die zumeist kritisch sind und viel zur Diskussion beitragen. Auf den ersten Artikel kommen nur Twitter-Meldungen, allesamt positiv, obwohl die Position Glasers - zumindest aus meiner Sicht - nicht weniger kritisch zu kommentieren ist.Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-64365833110525204942009-08-24T16:02:00.002+01:002009-08-24T16:07:23.667+01:00Habermas gratuliert Honneth - was haben wir davon?Etwas böser Titel, nicht wahr? Das werden wir noch sehen...<br /><br />In der "Zeit" gratuliert Jürgen Habermas seinem jüngeren Kollegen Axel Honneth zum 60.Geburtstag (<a href="http://bit.ly/3rU9ay">Link</a>). Besondere Begeisterung gilt dem "Resetting: Honneth tut den historischen Schritt von Marx zu Hegel zurück, um das Programm »von Hegel zu Marx« neu einzustellen." Das ist ja ein heiß zu erwartender Fortschritt! Habermas beschreibt die Erfolge Honneths, die darin bestehen, Grundprinzipien der menschlichen Beziehungen in die philosophische Sprache übersetzt zu haben, wobei die größte Bedeutung der "Anerkennung" gilt.<br />Am Ende des Artikels stellt Habermas fest:<br /> <br /><blockquote>Es fehlen beispielsweise nicht nur die aufspießenden Begriffe, um die Obszönität der jetzigen Krise anzuzeigen, sondern auch die denunzierenden Worte, um die tonlos eingewöhnten sozialen Verwerfungen blitzartig zu beleuchten.</blockquote><br /> <br />Ich befürchte meinerseits, dass sich diese kaum auf dem Wege eines "Resetting" finden lassen. Die Philosophie alleine war nie imstande, die Realität "über die Köpfe der Betroffenen hinweg zu bestimmen, was ihnen wehtut, was mithin als Symptom gesellschaftlich entstellter Verhältnisse gelten kann," wie Habermas im Artikel zugibt. Er betont das sogar noch mehr:<br /> <br /><blockquote>Allerdings hat der Blick auf manifeste Widerstände eine begrenzte Reichweite. An Gesellschaften, in denen halbwegs stabile Verhältnisse herrschen, prallt er ab – auch wenn die soziale Ungleichheit wächst, Armut und Marginalisierung zunehmen, sensible Lebensbereiche den Imperativen des Marktes und der Bürokratie unterworfen werden, die Innenstädte veröden, die staatlich alimentierten Güter verknappen und die Infrastruktur der öffentlichen Meinungsbildung zerfällt.</blockquote><br /> <br />Der Weg von Hegel führt unweigerlich zu Marx. Das sagt die Geschichte, die wir nicht noch einmal herausfordern sollten. Warum erwähnt Habermas in seinem Programm für Honneth nicht die skeptische Philosophie außerhalb der Frankfurter Schule - die von Odo Marquard?<br /><br />Sind wir weiterhin im Glasperlenspiel? Erwarten wir von Philosophen die Lösung der gesellschaftlichen Probleme? Haben wir die Wahl zwischen dem Marxismus und der formalen Logik, sonst nichts? Habermas denkt sich manches:<br /> <br /><blockquote>Darin lässt sich auch der riskante Versuch einer formalen Ethik wiedererkennen. Ein neues sozialethisches Vokabular soll den Beschreibungen der komplexen Gegenwartsgesellschaft wieder die kulturkritische Kraft verleihen, die nach Adorno im plappernden Tiefsinn versickert ist.</blockquote><br /> <br />Träumt er? Was war da zuerst - Begrifflichkeit einer philosophischen Schule oder die Realität? Warum dann nur "Kulturkritk"? Hmm...Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-30645857854140232882008-12-28T18:42:00.006+01:002008-12-28T19:14:50.052+01:00Gilbert Kaplan und die Zweite Symphonie MahlersIn der US-amerikanischen Musikszene spielt sich ein bemerkenswerter Skandal ab. Gilbert Kaplan, ein musikbegeisterter Millionär mit einer Vorliebe für die Auferstehungssymphonie, hat diese schon wieder dirigiert. Das tut er schon seit 26 Jahren, inzwischen bezahlte er sich schon 50 mal dieses Vergnügen und durfte sie sogar zweimal aufnehmen.<br /><br />Diesmal mussten am 8.12.2008 die New Yorker Philharmoniker leiden, allerdings diente das alles zwei guten Zwecken - einmal als Jubiläum der amerikanischen Erstaufführung durch Gustav Mahler selbst und zweitens für die Rentenkasse des Orchesters. Dutzende Orchester haben sein Dirigat über sich ergehen lassen und geschwiegen. Das Geld brauchen sie alle. Diesmal hat es Krach gegeben. Der zweite Posaunist des Orchesters hat in einem eigens dafür aufgemachten Weblog die Unfähigkeit des selbsternannten Mahlerpropheten am 16.12.2008 angeprangert. Am nächsten Tag übernahm die New York Times. Sofort kam dem guten Freund Mr. Kaplan der bekannte Kritiker Mr. Lebrecht zur Hilfe. In verschiedenen Blogs sind inzwischen mehrere Hunderte von Kommentaren erschienen. Spannende Lektüre!<br /><br />Zur Sache selbst: Kaplans Aufnahmen bezeugen zum xten Mal, dass erstklassige Orchester auch ohne einen Dirigenten einigermaßen zusammen spielen können. Er bringt durch seine Probenarbeit manche Details zum Klingen, die interessant und als Ergänzung zum Partiturlesen dienlich sind. Das Resultat ist leider vollkommen uninspiriert und entspricht der gängigen Art, die Musik dem Text entlang, handwerklich genau darzubieten. Das ist schon schlimm genug, wenn uns das von professionellen Dirigenten angetan wird. Jetzt kommt das noch von Seiten der zahlenden Amateure. Armes Publikum, das dazu noch von Musikkritikern im Dienste der Industrie zum Narren gehalten wird.<br /><br />Andererseits ist es nun mal so, dass Orchester kaum überlebensfähig sind und solche Mäzene gut gebrauchen können. Wäre Kaplan bescheiden genug, um seine Position als zahlender Amateur nicht zu verlassen und sich nicht zu viel aufzuspielen, hätte es auch den Zwischenfall nicht gegeben.<br /><br />Danny Kaye hat mit dem selben Orchester im Jahre 1981 eine köstliche künstlerische Präsentation abgegeben. Seit neuestem ist sie auch über Youtube zu geniessen:<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/VTqMi965iB4&hl=de&fs=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/VTqMi965iB4&hl=de&fs=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object><br /><br />Mahlers Zweite hat etwas Besseres verdient.<br /><br />Lektüre und Links:<br /><br />Der Artikel von David Finlayson (<a href="http://davidfinlayson.typepad.com/fin_notes/2008/12/some-words-about-gilbert-kaplan.html" target="_blank">Link</a>), mit dem die Story begann (mit 185 Kommentaren und weiteren Postings zum selben Thema); der Artikel von Daniel J. Wakin in der "New York Times" (<a href="http://www.nytimes.com/2008/12/18/arts/music/18kapl.html" target="_blank">Link</a>); zwei Artikel von Norman Lebrecht, dem Musikkritiker (<a href="http://www.artsjournal.com/slippeddisc/2008/12/the_player_who_forgot_his_plac.html" target="_blank">Link</a> und <a href="http://www.artsjournal.com/slippeddisc/2008/12/alls_quiet_at_the_ny_philharmo.html" target="_blank">Link</a>), der dem Posaunisten empfohlen hat, die Klappe zu halten; vernichtende Äußerungen anderer Orchestermusiker (<a href="http://www.charlierose.com/view/interview/9724" target="_blank">Link</a> - siehe Kommentare!), die vor dem Auftritt des Posaunisten geschrieben worden sind; die genauso negative Aussage eines anderen Orchestermusikers (<a href="http://www.matthewguilford.com/?p=163" target="_blank">Link</a>); Unterstützung für den Posaunisten von einem wiederum anderen Orchestermusiker (<a href="http://hornnotes.com/blog/?p=410" target="_blank">Link</a>); eine Diskussion zum Thema zwischen den Orchestermusikern noch einmal anders (<a href="http://www.trumpetmaster.com/vb/f146/gilbert-kaplan-43239.html" target="_blank">Link</a>), die Meinung eines dirigierenden Musikers (<a href="http://klacknermusic.wordpress.com/2008/12/19/gilbert-kaplan-and-fraud/">Link</a>).<br /><br />In vielen Kommentaren bringen Kollegen ihre Empörung zum Ausdruck, dass das Niveau so nach unten gefallen ist, dass nicht einmal die Kritik bereit ist, zwischen den großen Dirigenten und Imitatoren zu unterscheiden. Die Namen der zweiten Art werden auch genannt - darunter Maris Jansons, Daniel Harding, Gustavo Dudamel.<br /><br />Warum nur hat die deutsche Presse bis dato das Thema für sich noch nicht entdeckt?Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-5952821018741528422008-11-08T11:55:00.010+01:002008-11-08T16:15:39.266+01:00Reichs RacheDer Artikel wurde in der "Jüdischen Zeitung" (November 2008) publiziert, von der Redaktion leider wieder verschlimmbessert. Hier folgt das Original:<br /><br /><blockquote><strong>Reichs Rache</strong><br /><br />Ein Medienspektakel sondergleichen - seit Wochen ist es in aller Munde und macht genauso viel Wirbel wie zu Beginn. Marcel Reich-Ranicki hat die Annahme des Fernsehpreises für seine TV-Präsenz verweigert - für die einen eine Sternstunde des Fernsehens (ZDF-Intendant Schächter), für die anderen eine Beleidigung (Schauspielerin Ferres) oder gar ein Zeichen schlechter Erziehung (Sportmoderatorin Müller-Hohenstein). Unterm Strich: Ein Skandal.<br /><br />Er macht sehr viele betroffen, unter anderem auch Menschen, die seit Jahren ohne Fernseher auskommen und sich dabei glücklich schätzen. Endlich können sie laut sagen: Wir haben Recht und ihr sollt uns folgen. Und die Statistik bestätigt: Die Unzufriedenheit mit dem Programmangebot wächst und äußert sich in der steigenden Zahl von GEZ-Abmeldungen. Dazu kommen wir noch.<br /><br />Schon am nächsten Tage meldet sich der Medienspezialist für Skandale, die Bildzeitung. Der weitere Verlauf entspricht dem typischen Bild-Management – täglich erschienen Berichte über neue Wendungen, immer weiter vom Thema entfernt. Reich-Ranicki traf sich nach dem Eklat mit dem Multimillionär-Moderator Thomas Gottschalk für eine halbstündige Sendung, die einige Tage später ausgestrahlt wurde. Die Auseinandersetzung zwischen Elke Heidenreich (Moderatorin der Sendung „Lesen!“) und dem ZDF fand mehr Aufmerksamkeit als das Hauptthema (Zustand der TV-Programme), und bald erreichte die Stimme von Günter Grass die Medien - er will seinem Erzfeind auch eins auswischen, bevor es zu spät ist. Passend dazu wird in Zeitungen die Werbung mit einem Foto des polternden MRR publiziert, dann noch eine. Danach schickte man die Sendung mit Heidenreich ins Nirwana – und wieder scheiden sich die Geister, hier pro ZDF als Arbeitgeber, der keine Kritik zulassen darf, und dort gegen den Sender, der keine Kritik ertragen kann.<br /><br />Reich-Ranicki lässt Heidenreich im Regen stehen: Er kritisiere nur die Preisverleihungsshow und nicht das gesamte Fernsehen. Inzwischen melden sich weitere Ihro und dero Prominenzen zu Wort, worauf das Publikum nur ach und och verteilen kann. Erst nach drei Wochen wird das Szenario abgeschlossen – der Boulevard hat einmal mehr gewonnen. Am Ende bleibt nur eine Frage: Warum nur hat niemand einen gewissen Martin Walser dazu interviewt? Den, der für den Tod eines Kritikers zuständig ist?<br /><br />Jetzt stellen wir uns für eine Minute vor, die Aufzeichnung der Selbstbeweihräucherung wäre von Profis vorbereitet gewesen, die dazu noch einen Schuss Menschlichkeit und Schlauheit besessen hätten. Das könnte ungefähr so ausgesehen haben: Zu Beginn der mehrstündigen Inszenierung trifft die Regie eine Absprache mit der Moderation und dem 88-jährigen MRR, nach dem Motto: "Lieber Literaturpapst, das wird zu mühselig für Sie, wir nehmen Ihre Laudatio und die Preisübergabe gleich zu Beginn auf, Sie können den Saal verlassen, und wir richten das bei der Endmontage am Ende der Sendung als eine gebührende Krönung aus usw." Alle wären glücklich und es hätte keinen Skandal gegeben. Die Qualität des Fernsehens wäre zwar dieselbe geblieben, sie wird aber auch ohnehin dieselbe bleiben, nur dass nun einiges in Scherben liegt. Dazu gehört aus meiner Sicht in erster Linie das Renommee von allen leitenden Persönlichkeiten, die am Abend der Aufnahme anwesend waren. Darin hat Heidenreich (in der FAZ) Recht: Keiner hat sich vor dem alten Greis für die für ihn grausigen Stunden entschuldigt, bis jetzt nicht. Wortwörtlich: Sein Gang zur Bühne war von Standing Ovation begleitet, was will er noch? Keiner von ihnen hat sich die Mühe gegeben, sich in seine Lage hineinzuversetzen. Ein Armutszeichen!<br /><br />Weitere Glieder dieser Kette sehen nicht besser aus. Der ZDF-Intendant nickt im Kamerabild dem Vorschlag Gottschalks zu, bei einer einstündigen Sendung mitzudiskutieren. Es gibt keine solche Sendung, nur Smalltalk zwischen Reich-Ranicki und Gottschalk. Was bei der Endmontage der Preisverleihung mit verharmlosenden Kürzungen unternommen wurde, macht man hier mit Kameraführung und Sounduntermalung noch deutlicher, nämlich dass alles nur eine Salonunterhaltung aus alten Zeiten oder gar eine Clowneske ist - bitte nicht ernst nehmen. Sarkasmus und Spott strömen, das eigentliche Thema wird vom Fernsehen erfolgreich beschwiegen und verdrängt. Exemplarisch dafür stehen einige Sprüche Gottschalks, insbesondere nachdem Reich-Ranicki den Saal verließ: „Jetzt sind wir wieder unter uns und können weitermachen“.<br /><br />Das Fernsehen hat eine nicht jedem bewusste Eigenschaft: Es stellt eine persönliche Beziehung zum Gesicht auf dem Bildschirm her. Zuschauer bekommen das Gefühl, die TV-Personen intim zu kennen, das ist eine durchaus emotional geladene Annäherung, auch wenn sie einseitig ausfällt. Das einigt das Medium mit der Boulevard-Presse. Hier werden Idole aufgebaut, aktuell sind das Moderatoren, denen eine Vorbildfunktion aufgetragen wird und über die aufs heftigste diskutiert werden kann. Dazu kommt die zweite Komponente, die allerdings nicht nur TV und Yellow-Press gemeinsam ist, sondern sich mehr und mehr durch die gesamte Gesellschaft zieht: Häme und Schadenfreude.<br /><br />„Fertigmachen“ wird zum Volkssport, zum Inhalt von unzähligen Shows, zum Hintergrund der Berichterstattung. Die Karnevalisierung ersetzt die Vermittlung wesentlicher Inhalte. Egal, mit welchem Sinn im Hinterkopf einer ins Medium einsteigt, das Medium verarbeitet und inkorporiert ihn nach eigenen Gesetzen. Die Montage der Bilder fällt hier mehr ins Gewicht als das Gesagte – z.B. wenn ein weises Wort eines Redners mit dem dummen Blick seines Zuschauers zusammengeschnitten wird. Und wenn alles farblos und trivial ist, braucht das Medium einen scharfzüngigen Pauschalisierer, der provoziert und teilt. Davon lebt das Fernsehen. In den Augen der TV-Macher sind das die Sternstunden, unabhängig von den Inhalten der Kontroverse. Insofern macht Reich-Ranicki ganz im Sinne des Mediums mit, paktiert mit Intendanten auch dann, wenn sie ihn sitzen lassen, und beteiligt sich am Blödsinn, auch wenn er sich hin und wieder rächt und das als Blödsinn benennt. Intendanten merken nie, wenn sie jemanden demütigen. So werden sie nie und nimmer etwas ändern, weil es sich immer ein Reich-Ranicki findet, der mitmacht. Aus seiner subjektiven Sicht vertritt er das Gute auf dem Feld der Blöden.<br /><br />Es gibt aber noch eine Komponente, die bisher kaum den Weg in die Zeitungen gefunden hat und sich vielleicht eher in den vielen Leserzuschriften im Internet spiegelt (einfache mündige Menschen sind hier irgendwie weiter als Profischreiber). Die in ihrer Dimension einmalige Diskussion, die wochenlang das lesende und schreibende Publikum beschäftigt, ist eine Ersatzdebatte. Im Protest Reich-Ranickis erkennt die vox populi sich selbst wieder, sie bäumt sich dagegen auf, manipuliert zu sein, von denen, die da oben sind. Reich-Ranicki hat dieses diffuse Unwohlsein mit seinem Auftritt exemplarisch akkumuliert.<br /><br />In den Leitmedien wird die Kritik des öffentlich-rechtlichen Fernsehens, das der Programmpolitik der privaten Sender gefährlich nah gekommen ist, durch die Personalisierung und Boulevardisierung des Konfliktes ersetzt. Nur von Harald Martenstein („Intelligenz und Kritik sind verdächtig geworden, fast überall in den Medien“), Jörg Magenau („Das Fernsehen macht Bücher tendenziell unwichtiger und wertet die Bedeutung der Autoren auf. Es verwandelt Schriftsteller in Selbstdarsteller, die sich wie Verkäufer ihrer selbst verhalten müssen“) im Tagesspiegel sowie von Roger Schawinski („In Deutschland gibt es private und öffentlichrechtliche Sender, beide sollten unterschiedliche Aufgaben und Standards haben. ARD und ZDF schlagen jedoch einen fatalen Weg ein. Sie haben keine Mittel, um Zuschauer unter 50 Jahren anzusprechen, deshalb kopieren sie die Privaten wir RTL oder Sat 1“) in der NZZ liegen kluge Analysen vor.<br /><br />In unzähligen Kommentaren im Internet stöhnt das Fernsehvolk schallend, allerdings im sicheren Wissen, dass dies von denen da oben ignoriert werden wird. Leute beklagen sich ob der Unmenschlichkeit auf dem Bildschirm. Gottschalk und Co. plaudern weiter von ihrem Erfolg bei Klofrauen und von der Arroganz der Elite. Die Politik, die im Fernsehrat vertreten ist, hat sich mit keinem einzigen Wort in der Öffentlichkeit gezeigt, sie weiß vom Problem womöglich gar nicht. Alles bleibt beim Alten – gute Moderatoren (die sich zu benehmen wissen) verdienen weiter, die bösen (die es wagen, zu kritisieren) werden zur Schnecke gemacht. Ob sie gute oder schlechte Arbeit machen, interessiert nicht, sondern nur, ob sie konform sind.<br /><br />In diesem Sinne erlaube ich mir eine Schlusspointe: Die aus der Sicht der ZDF-Intendanz „unverhohlen aggressive“ Heidenreich bekam ja auch einen Preis. Der Laudator Heiner Geißler erklärte ihren Erfolg damit, dass sie nie Kritik übe, sondern lobe. Die alten TV-Idole folgten noch dem eigenen guten Geschmack, die jüngeren dienen dem Verkauf, die jüngsten verbreiten allerdings nur Feuchtgebiete, wobei ich schon wieder bei der Häme bin, diesmal meiner eigenen.<br /></blockquote>Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-64149724204787292102008-10-05T13:13:00.005+01:002008-10-05T13:25:29.029+01:00Palästinisierung des KaukasusDie Ursprünge des russisch-georgischen Krieges liegen für die meisten Medienrezipienten im Dunkeln. Beobachtungen von wenigen unabhängigen Journalisten und Experten werden kaum zitiert. Nach einer ausgiebigen Recherche bin ich zu der Klarheit gekommen, die einen nicht unbedingt glücklich macht (Jüdische Zeitung, Oktober 2008).<br /><br /><blockquote><strong>Der Kaukasus liegt im Nahen Osten</strong><br /><br />Was passierte im Kaukasus – war das ein Krieg? Und was hat das alles mit Israel zu tun, mit jüdischen Belangen?<br /><br />Alle Welt ist sich einig: Der georgische Präsident Michail Saakaschwili begann den Krieg. Warum erteilte er ausgerechnet am späten 7. August den Befehl, erst 20 Minuten nach der doch bitteschön unglaubwürdigen Nachricht vom Eindringen russischer Panzer? Ist er vielleicht nur ein dummer Krawattenfresser, wie die BBC ihn dargestellt hat? Sein Angriffsbefehl erklang zur denkbar ungünstigsten Zeit, gegen den Rat seiner Generäle, mit katastrophalen Folgen für sein Image und für sein Land.<br /><br />Die Analyse der Fakten legt andere Schlussfolgerungen nah. Nach der Unabhängigkeitserklärung des Kosovo drohte Russlands politische Führung dem Westen direkt mit einer symmetrischen Antwort. Die heiße Phase der Verhandlungen zwischen Georgien und der NATO über den Beitritt Georgiens war für den Herbst 2008 geplant. Der schon 2001 zum Präsidenten Südossetiens gewählte Eduard Kokoity, vormals bekannt als langjähriger Türsteher in einem Moskauer Casino und Komsomolsekretär in Personalunion, baute bis 2006 ein autoritäres und korruptes Regime mit engsten Beziehungen sowohl zum russischen Geheimdienst als auch zur organisierten Kriminalität auf. Sein Ziel – die Vereinigung mit Nordossetien – hat er schon 2003 formuliert. Über dem georgischen Hoheitsgebiet schoss die russische Luftwaffe am 20. April 2006 eine unbemannte Drohne ab. Vier Vertreter des russischen Armeegeheimdienstes wurden 2006 bei der Vorbereitung terroristischer Aktivitäten gefasst. Ein russischer Bomber verlor beim Überfliegen des georgischen Inlandes 2007 seine tödliche Ladung. 2006 wurde nördlich von Zchinwali bei absoluter Geheimhaltung der massive russische Stützpunkt Dschava gebaut, mit einer Kapazität von bis zu 2500 Soldaten und Panzerversorgung. Im Frühling 2008 legte das russische Militär in Abchasien neue Eisenbahnlinien, die militärischen Anforderungen entsprechen und im Krieg auch eingesetzt wurden. Allerdings errichtete man in Zchinwali und um die Stadt herum keine Verteidigungsbefestigungen. Mehrere Tausende Bewohner Zchinwalis wurden vom 2. August an offiziell zur Evakuierung gebeten, etwa 90% leisteten dem auch Folge. Am nächsten Tag rief Kokoity die Mobilisierung der freiwilligen Kräfte im Nordkaukasus aus, die nach Südossetien kamen und im Laufe des Kriegs georgische Dörfer und Städte marodierten. Der massive Beschuss georgischer Dörfer um Zchinwali begann am 29. Juli. Am 6. August wurde dabei auch die Großkaliberartillerie eingesetzt, was de facto schon den Krieg von ossetischer Seite bedeutete. Alle diese Dörfer wurden im weiteren Verlauf des Krieges durch paramilitärische ossetische Einheiten von der georgischen Bevölkerung komplett gesäubert. Bis zum 6. August stellte sich eine bis zu 25.000 Mann starke russische Armee an den Grenzen Südossetiens (Rokitunnel) in voller Bereitschaft auf. Etliche russische Journalisten kamen am 6. August nach Zchinwali mit einem Flugzeug. Am 7. August zeigten sich die ersten russischen Einheiten am anderen Ende des Rokitunnels, schon auf südossetischem Gebiet und in großer Zahl, was Saakaschwili als eine unmittelbar bevorstehende Invasion eingestuft hat. Als georgische Kräfte Zchinwali erreichten, fanden sie die Stadt fast leer vor, der Kampf wurde zwischen georgischen und russischen Spezialeinheiten geführt. Zerstörungen durch den georgischen Beschuss kommen in der Stadt Zchinwali an die Marke von 5 % heran, in den umliegenden georgischen Dörfern durch den russischen Beschuss 70 %. Die Zahl der Opfer in Zchinwali beträgt nicht 2000 oder 1600, wie die südossetische und russische Regierung am zweiten Tag der Kriegshandlungen übermittelte, sondern 134. Die russische Luftwaffe hat Zchinwali bombardiert, die georgischen Kräfte zogen sich zurück, es folgte die russische Invasion wie aus dem Buche – alle wichtigen militärischen Ziele im georgischen Kernland wurden ausgeschaltet, Knotenpunkte besetzt.<br /><br />Der Plan lässt sich aufgrund der aufgelisteten Fakten rekonstruieren: Alle Staatschefs sind bei der Olympiade in China, eine Speznastruppe soll Saakaschwili entmachten und eine neue Regierung (wie seinerzeit in Afghanistan) installieren, die Armee besetzt Georgien zur Befriedung. Der Präventivschlag der Georgier hat diesen Plan verhindert: Saakaschwili blieb in Tbilisi, die Speznas wurde in Zchinwali aufgefangen und vernichtet, die russische Armee hat zwei Tage unter Beschuss verloren, sie musste den verwundeten kommandierenden General austauschen und hat ihren Vormarsch nach Tbilisi erst durch die mahnenden Worte der Amerikaner gestoppt.<br /><br />Die Reste des Sowjetimperiums bluten weiter. Russen und Georgier haben eine gemeinsame grausame Vergangenheit und agieren in ihrem Schatten. Die erste georgische Führung hat im Rausch ihrer gewonnenen Selbständigkeit Abchasen und Osseten so stark vergrellt, dass es für sie keinen Weg zurück mehr geben kann. Nord- und Südossetien sind auf dem besten Wege zusammenzukommen und den nordkaukasischen Kriegsherd zu vervollständigen – für Georgien schmerzlich, aber immer noch besser als kompletter Verlust der Unabhängigkeit.<br /><br />Die russische Medienkampagne war erfolgreich – die Darstellung des georgischen Präventivschlags als ungezügelte Aggression sitzt fest. Ein Beispiel: Der erst kürzlich ausgetauschte stellvertretende Generalstabschef Nogowizin zeigte auf seiner Pressekonferenz den angeblich in Zchinwali eroberten amerikanischen Pass und führte das als entscheidenden Beweis für die direkte Beteiligung der USA im Konflikt an. Am nächsten Tage hat die amerikanische Presse diese Nachricht als schlecht fabrizierte Ente entlarvt: Dem Passinhaber Michael Lee White kam der Pass 2005 in Moskau abhanden, im August 2008 war er selbst nachweislich in den USA und China. Dagegen weiß kaum einer, dass die über Georgien abgeschossenen russischen Piloten schon drei Tage vor dem Kriegsbeginn in die Region abbestellt wurden, laut den bei ihnen gefundenen Papieren. <br />Wenn wir noch zahlreiche Artikel einbeziehen würden, die die Rolle Israels bei der Vorbereitung georgischer Streitkräfte betonen, so sollten wir gleich mitberücksichtigen, wer die „Unabhängigkeit“ zweier neuer Staaten zuerst anerkannt hat – das sind die Hamas und die Hisbollah. Erst wenn man das zusammenbringt, begreift man, dass sich die Anwendung terroristischer Methoden, die Ausrichtung auf die Wirtschaft mit dem Tod, Lügen als Medienpolitik hier wie dort aus derselben Quelle speisen, aus der Schule des KGB. Es ist eine schleichende Palästinisierung Ossetiens, wie eine russische Journalistin sich ausgedrückt hat.<br /><br />Eine neue Nachricht aus Russland komplettiert das Bild – Iran bekommt die modernste Luftverteidigung, die für Israel und die USA die eventuell geplante Bombardierung der iranischen Atomwaffenanlagen verunmöglichen soll. So bekommt der russisch-georgische Krieg eine neue Dimension, über die man lieber nachdenken sollte, bevor man ihn ad acta legt.<br /></blockquote>Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6805663249716398357.post-85691996242379406902008-10-04T21:37:00.006+01:002008-10-05T13:12:17.887+01:00Wie oft darf man über den Antisemitismus streiten?Nach dem sinnlosen Rechtsstreit über antisemitische Äußerungen haben mehrere Zeitungen versucht, einen nicht weniger sinnlosen Streit zu installieren, wer darüber entscheiden darf, was antisemitisch und was nicht antisemitisch ist. Dabei stellte sich heraus, dass es nicht so schlimm ist, ein Antisemit zu sein. Viel schlimmer ist es, einen Antisemiten als solchen zu bezeichnen.<br /><br />Der folgende Text versucht, etwas tiefer hinter die Kulissen des Spektakels zu schauen (Jüdische Zeitung, Oktober 2008).<br /><br /><blockquote><strong>Im Elfenbeinturm der Israelkritik</strong><br /><br />Den Staat Israel zu kritisieren ist verboten und ein Tabu. Nur die mutigsten Menschen wagen das – in ständiger Angst, mundtot oder gar tot gemacht zu werden. Warum? Ganz einfach: „Vor allem in Deutschland kann der Antisemitismus-Vorwurf tödlich sein, und so hüten sich viele Juden wie Nichtjuden davor, den Mund aufzumachen.“ So Michal Bodemann in der TAZ.<br /><br />Die Realität sieht anders aus – man liest ununterbrochen die so genannte Israelkritik, sie gehört zum Mainstream der deutschen Medien und zur vox populi als deren Lackmus- oder Feigenblatt. Die Angst vor angeblicher Bedrohung durch Israel ist in den Meinungsumfragen stets hoch und negativ gefärbte Meldungen über Israel erreichen uns alltäglich.<br /><br />Im Spannungsfeld zwischen Arroganz und schlechtem Gewissen gedeiht die Israelkritik, sie ist sehr empfindlich gegenüber der Entblößung und nimmt jede Entgegnung äußerst persönlich. Eiertanz-Spezialisten sind bereit, sich antizionistisch zu bekennen, und erlauben den anderen, sich in ihrer Anwesenheit antisemitisch zu äußern. Vor allem schreiben sie gerne Leserbriefe, die sich zur Fortsetzung der Debatte eignen, wenn ein Medienprofi sich verstecken will. Auf bestimmte Weise chiffrierte Botschaften rufen eine bestimmte Klientel hervor, die sich zu Wort meldet. Wenn nach der fortdauernden Überflutung durch die dpa- und afp-Israelschelte ein Jude als Kronzeuge aussagt, die Israelkritik sei in Deutschland verboten, kann er eines Interviews sicher sein (genauso wie Finkelstein einer Einladung zu Christiansen!). Daraufhin erklingen Stimmen, die sich über diesen Quatsch empören, dies sei weit von ernstzunehmender Kritik an den Verfehlungen israelischer Politik entfernt und nicht gerade von Weitblick auf das Weltgeschehen geprägt. Dann schlägt die Stunde der Leserbriefe – die unschuldige Redaktion überlässt ihnen das Wort, und dann kommt es: quod eram demonstrandum, warum darf man denn Israel nicht kritisieren etc.<br /><br />Andererseits können angestellte Journalisten sich auch nicht immer zurückhalten. Sie glauben innig, im Rechte zu sein – sowohl beim Bestimmen, wie Israelpolitik auszusehen hat, als auch in dem Bekenntnis zur Grenzenlosigkeit der Israelkritik. Beides kann man nicht immer den Leserbriefen überlassen. Eine ausgeglichene Darstellung der Tatsachen und Meinungen besteht für die meisten Redaktionen im unermüdlichen Israelbashing, zu dem die Enttäuschung über die Rede der Kanzlerin vor der Knesset kommt sowie keine Richtigstellung, wenn eine zu schnell übernommene Fälschung desavouiert wurde. Dazu „kein Jahr ohne Antisemitismusstreit“, sagen sich Qualitätsjournalisten, die sich plötzlich einig sind, wo sie sonst so gerne miteinander streiten.<br /><br />In dem aktuellen Broder-Fall wollen Feuilletonchefs von FAZ und SZ noch einmal klarstellen, wer die Hoheit über die Meinungsbildung im Lande hat. Eine notorische Leserbriefschreiberin wird zur Publizistin und Tabubrecherin auserkoren. Sie kämpft gegen die allmächtige jüdische Lobby. Irgendwann wird sie vom Fachmann auf dem Gebiet der Antisemitismusforschung als noch ein Beispiel für die beschriebene Medienstrategie bemerkt und als das, was sie ist, entlarvt. Patrick Bahners und Thomas Steinfeld warten nur darauf und erwidern im Ton eines Moralpredigers, die Meinungsfreiheit sei in Gefahr, Israelkritik werde mundtot gemacht, der Stil verkommt, o tempora, o mores!<br /><br />Clemens Wergin in der „Weltdebatte“ sowie Silke Tempel in der „Jüdischen Allgemeinen Zeitung“ antworten darauf mit der Spiegelung der Invektive. Doch überflüssig ist es, auf eine Reaktion von Bahners und Steinfeld zu warten. Sie kommt nie – und der Grund dafür ist weder Angst vor Argumenten noch Scham, sondern die unerschütterliche geistige Überlegenheit.<br /><br />In der Tat wird nicht die Israelkritik in Frage gestellt, sondern genau andersherum: Es findet ein weiterer Missbrauch vorhandener Ressentiments statt. Die meisten Zeitungen pflegen eine einseitige Schilderung der Ereignisse in und um Israel und nutzen dabei und dafür auch Leserbriefschreiber aus, anstatt sich von diesen zu distanzieren. Sie betrachten die Kritik an solchen Autoren als Kritik an sich und sehen darin den Angriff auf ihr natürliches Monopol, das sie mit Meinungsfreiheit verwechseln. Ein Tadel, der unterstellt, dass sie ihre Rolle möglicherweise missbrauchen, kann sie nicht erreichen: Das käme einer Majestätsbeleidigung gleich.<br /></blockquote>Grigori Pantijelewhttp://www.blogger.com/profile/14453084604167183926noreply@blogger.com0